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Visualia group (Marko Bolkovic) finalist at 1 minute projection mapping
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The 15 finalists to the next stage are listed below. 79 entries from 25 countries and areas. The number of countries that participated in this year was the largest ever.

We will have the rehearsal to test all projection mapping works including the unselected works before the event. At the rehearsal, we are going to add a few more positions of finalist based on the quality. We would appreciate your brush-up by the time if you are interested in winning the extra positions.
This year we are going to have an additional mapping show to demonstrate 10 – 15 projects among the unselected projects as the second group. The show will be on September 17th and 18th at 20:30. The second group projects will not be counted in the competition, but it will be a great opportunity to get the feedback from the audience. The information about the second group will be announced after all selection is completed.
For the 2016 finalist, their works will be demonstrated at MINATOPIA-Niigata City History Museum on September 16th – 19th.

1minute Projection Mapping 2016 / FINALIS
(The numbers on the left side is the entry order of the number.)
01. One Action「Story of the Door」(JAPAN)
02. Full Screen Studio「We Are Robots」(Hungary)
03. Rampages Production「遊方/Yu Hou」(MACAU)
04. AVA Animation & Visual Arts「Mundo Escondido」(MEXICO)
05. AKASHA VISUALSTATION「Cordyceps (killing fungi)」(Slovakia)
06. Furyco「Insatura」(Indonesia)
07. VJZARIA「Free Mind Free Mind」(Brazil)
08. MöDAR「BARATAYUDHA」(Indonesia)
09. Yellaban Creative Media Studio「Eyesight」(THAILAND)
10. Undertoon「WHY NOT?」(Croatia)
11. EPER Creative Studio「Mind Game」(Hugary)
12. YOYO miracle「CONNECT」(Japan)
13. EuroVideoMapping「(Germany)
14. QUA2DUO「DOOR」(Japan)
15. x.arts「Metamorphose」(Japan)
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Event details and ticketing.
http://minatopika.com/

01. One Action「Story of the Door」(JAPAN)

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02. Full Screen Studio「We Are Robots」(Hungary)

02_Full Screen Studio

03. Rampages Production「遊方/Yu Hou」(MACAU)

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04. AVA Animation & Visual Arts「Mundo Escondido」(MEXICO)

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05. AKASHA VISUALSTATION「Cordyceps (killing fungi)」(Slovakia)

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06. Furyco「Insatura」(Indonesia)

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07. VJZARIA「Free Mind Free Mind」(Brazil)

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08. MöDAR「BARATAYUDHA」(Indonesia)

08_MöDAR2

09. Yellaban Creative Media Studio「Eyesight」(THAILAND)

09_Yellaban Creative Media Studio2

10. Undertoon「WHY NOT?」(Croatia)

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11. EPER Creative Studio「Mind Game」(Hugary)

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12. YOYO miracle「CONNECT」(Japan)

12_YOYO miracle2

13. EuroVideoMapping「(Germany)

13_EuroVideoMapping

14. QUA2DUO「DOOR」(Japan)

14_QUA2DUO

15. x.arts「Metamorphose」(Japan)

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Nobumichi ASAI:Connected Colors, Real time projection on face
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New face projection mapping work using Real-Time Face Tracking “Connected Colors” is included within the Intel Corporation experience amazing campaign.
“Connected Colors” which was planned and produced with the technical direction by media artist Nobumichi Asai (WOW), conceptualizes the coexistence of life. The motif is centered on the colors of nature, and is an expression of electric make-up in the form of various colors intermingling and harmonizing. Expressed from beyond the viewpoint of humanity, “Connected Colors” aims to convey the human desire for harmony and coexistence of life on Earth.

Official Release Site
iq.intel.com/artist-uses-3d-facial-projection-technology-to-create-digital-makeup/?sr_source=lift_twitter&linkId=21320285

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Creative Director NOBUMICHI ASAI(WOW)
Producer YU KIMOTO(PLAY)/TOMOYUKI ASHINUMA(ROBOT)/NOBUMICHI ASAI(WOW)
Media Artist NOBUMICHI ASAI(WOW)
Make-Up & Hair Artist NOBURU TOMIZAWA(CUBE)
CG Artist  SHINGO ABE(WOW)
Planner YUKI TAZAKI(WOW)
International Liaison YUI TANAKA(ROBOT)
CG Designer  TSUTOMU MIYAJIMA(WOW)
CG Designer RYO KITABATAKE(WOW)
Programmer HIROKI SATO(WOW)
Programmer ATSUSHI YOSHIMURA(WOW)
Director of Photography HIDEYUKI HASHIMOTO
Gaffer MASAHIRO IBARAKI
Stylist RYO KURODA(Vivid)
Production Manager TAKESHI DAIMON(ROBOT)
Music TOKURO OKA / KOSUKE ANAMIZU
Model EIRI KAZAMA

nobumichiasai.com

https://www.youtube.com/watch?v=wt_ETrtisSE

Intervista a Igor Imhoff, tra video, grafica, animazione,mapping e glitch art
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Igor Imhoff nasce in Italia nel 1976,. Si laurea all’Accademia di Belle Arti; attualmente è docente di Multimedia Design, animazione e 3d modeling all’ International School of Comics . La sua attività artistica spazia dalla grafica all’animazione, al video/film sperimentale. Numerose sono le partecipazioni a mostre e festival in Italia e all’estero (Bevilacqua La Masa ,Galleria San Marco , Venice , Milan Triennale  A + A Gallery ,” Venice Video Review DVDrops Art , Hong Kong , Bologna , Ferrara, OCT Contemporary Art Ends Shanghai, Museu Belas Artes de São Paulo , etc.), e Festival di animazione come Clermont Ferrand , Annecy, Animateka , Animamudi

http://www.igorimhoff.eu/

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Anna Monteverdi: Puoi raccontare in sintesi il tuo percorso di digital artist?

Igor Imhoff: Il mio percorso inizia come sviluppatore e designer di videogiochi (all’epoca degli 8 bit). L’interesse verso gli aspetti visuali e sperimentali mi ha portato a frequentare, contemporaneamente all’attività professionale, l’Accademia di Belle Arti. Purtroppo in un periodo e in un contesto ancora poco propenso alle sperimentazioni digitali. Ad ogni modo il mio lavoro di digital artist si concretizza dopo il periodo di studi ed è un mix di esperienze maturate attraverso lo sviluppo di videogiochi e l’approccio più “analogico” scoperto in accademia.

Anna Monteverdi: Tu spazi da una grande varietà di formati e generi, dalla videoarte alla animazione in grafica 3D anche per videogames, al videomapping alla glitch art. Quale è il tuo ambito preferito e come definisci la tua arte? Arte intermediale? Underground? O semplicemente digital art?

Igor Imhoff Definire il mio lavoro mi mette un po’ in difficoltà. Per svariate ragioni, ogni ambito nel quale ho operato è sempre stato importante da un punto di vista creativo ed emotivo. In genere la singola esperienza ha rappresentato un tassello importante anche per altri tipi di lavori in apparenza distanti tra loro. Trovo, perciò, difficoltoso nella mia produzione individuare un genere.

Aldilà del risultato ricercato, l’approccio progettuale è sempre molto simile data anche la fluidità del mezzo digitale. Per il momento mi accontento di definire ibrido il mio ambito di lavoro e comunque un termine più generico come digital art penso sia il più corretto.

 Anna Monteverdi Come iniziano i tuoi lavori? Parti da una commissione artistica o segui un tuo sviluppo personale e una tua intenzionalità creativa?

I miei lavori nascono da una ricerca sui segni primitivi e le pitture rupestri, considerate sia dal punto di vista simbolico e antropologico, sia come ricordi da combinare e da proporre come se fossero dei segnali. La conseguenza è una indagine, quasi ossessiva, sul concetto di memoria e sull’alterazione dei supporti nei quali è registrata, che sia una grotta o un disco rigido. Difficilmente parto da una commissione artistica, almeno per quanto riguarda i progetti legati alla sperimentazione video, dove comunque preferisco avere libertà di azione su tematiche e tempi di realizzazione. Negli ultimi tempi, invece, ho ricevuto spesso commissioni riguardanti il videomapping in contesti nei quali sono riuscito a riproporre il mio iter progettuale e creativo.

Anna Monteverdi: Visual experiment come Neon o altri video in grafica 3D sono concepiti per essere eseguiti live (considerata anche la presenza importantissima di un progetto musicale con cui si sposano) o rimangono opere video monocanale a sé? E perché hai usato in Neon la glitch art? Puoi raccontare come ti sei avvicinato a questa nuovissima forma d’arte che molti non considerano tale?

Igor Imhoff: Neon è un videoclip pilota per un progetto da eseguire dal vivo. L’approccio al glitch è stato ragionato proprio in previsione di concerti e di situazioni video modulari. Infatti in questo periodo sto valutando con Deckard (l’autore della musica di Neon) proprio gli aspetti salienti della parte visuale.

La ricerca dell’errore, al fine di evitarlo, fa parte della mia formazione sin dai tempi del Commodore 64 e l’ho sempre trovato un approccio abbastanza naturale. Giocare con la memoria, (penso ai comandysys o poke), alterare i flussi o semplicemente crackare un videogame, per il solo scopo di capirne i meccanismi mi ha permesso di trovare formule e metodi di lavoro e svelare anche il livello umano del software. In maniera molto nascosta uso spesso i glitch per generare rumore casuale, o per alterare le forme e la velocità di esecuzione in un video come in Kurgan e Zero.

L’idea alla base di Neon è da ricercare nelle sonorità che ricordano molto la musica elettronica degli anni 80.

Il glitch penso sia una soluzione funzionale in grado generare nello spettatore una nostalgia che rimanda inevitabilmente a quel periodo.  Il suo utilizzo non è dissimile da una pellicola alterata o graffiata, solo che nel digitale il degrado del video è ottenuto giocando sui limiti imposti dai formati di compressione o dai metodi di trasmissione dei dati. Infatti gli algoritmi di compressione più usati, come mp4, divx e altri, campionano un fotogramma sfruttando le parti ripetitive e comprimendo le zone coperte da colori omogenei.  Affidare i sensi a file audio o video compressi equivale ad accettare un glitch subdolo. In Neon mi sono affidato solo ed esclusivamente ad un editor di testo. Infatti non sono glitch costruiti con software di grafica, ma sono errori generati dalla modifica dei valori esadecimali dei file stessi e dalla alterazione di quei parametri che garantiscono la ripetitività delle parti fisse dei fotogrammi. La cosa interessante è l’aver scoperto come i vari player video eseguono un file con logiche interpretative diverse e impreviste quando individuano un errore, per cui lo stesso errore a seconda della “macchina” si palesa a video in modo molto diverso.

Smalwhitedots è un film/animazione che sembra avere grandi richiami all’avanguardia storica cinematografica e anche alla videoarte classica penso ai Vasulka. Come ti rapporti in generale con l’arte d’avanguardia: ritieni che sia stata fondamentale per la definizione delle nuove forme d’arte emergenti e quale in particolare.

Nonostante la mia formazione prettamente digitale e informatica nutro un forte interesse nei confronti delle avanguardie: le soluzioni, il montaggio, la visione del futuro, le idee di interattività ed il coinvolgimento del pubblico sono elementi che osservo spesso e cerco di mettere in relazione con i miei progetti.

Small White Dots è un lavoro nato quasi per gioco (ero a casa di Lino Strangis e Veronica D’Auria a Roma, quando ho avuto l’idea), dove sono confluite parecchie idee e stimoli. Per l’aspetto grafico mi sono ispirato alla copertina di “UnknownPleasures” dei “joydivision”. È stato il mio primo video dove ho escluso il disegno e la musica per favorire riprese e immagini sintetiche veicolate da rumore e suoni campionati dal vero. Il risultato non è animato nel senso classico del termine e non è frutto di effetti software, bensì si tratta di codice, basato su diagrammi, applicato ad un programma di grafica 3d nel quale tutti i movimenti sono veicolati e controllati dal suono secondo delle regole ben precise.

Mi sono ispirato ai Vasulka, soprattutto a ciò che ha portato al midi, ma anche a Norman Mclaren e specialmente ad Alexandre Alexeieff. Infatti “SMW” a livello di codice è una simulazione della pinanimation portata alle sue estreme conseguenze, controllata totalmente dal sonoro che ne altera la forma fino a dissolverla.

Personalmente, almeno per le mie esperienze, ho ritrovato spirito dell’arte d’avanguardia in diversi contesti come nella demoscene o anche in molti aspetti narrativi dei videogame. Infine nel videomapping. principalmente nelle situazioni nelle quali il progetto è stato relazionato in tempo reale con un’orchestra, con lo spazio inteso come luogo di aggregazione e con il pubblico inteso come elemento attivo e capace di interagire.

 Lev Manovich ha scritto un testo Software takes commands (poi tradotto in Italia come Software culture) in cui definisce il software la nuova forma espressiva degli ultimi anni, abbandonando concetti come multimedialità e nuovi media. Ti ritrovi nella definizione di software artist?

Condivido l’idea che il software sia una forma espressiva, probabilmente è l’unica forma per chi opera nel digitale. Il codice di programmazioneè frutto dell’interpretazione della realtà, qualunque essa sia, del suo autore. I media sono sempre più fluidi e chi opera sa che l’informazione può essere trattata in modo diverso a seconda dei programmi. La scelta quindi, è non solo pratica, ma soprattutto creativa. Penso che la mia concezione di software artist sia ancora legata alla creazione di codice. Le varie macchine virtuali e le interfacce hanno reso l’approccio creativo più semplice, meno legato alle macchine fisiche e alle figure professionali.

Nel mio lavoro tendo ad essere il più autonomo possibile e nelle varie esperienze artistiche e lavorative ho dovuto imparare numerosi programmi per arrivare ai risultati previsti. Ho potuto provare sul campo metodi rigorosi, come le pipeline di una produzione, gestendo anche più persone, e approcci più spontanei e naturali dove ho sovvertito l’ordine di utilizzo dei programmi. Spesso la progettualità coincide con l’esecuzione. Più che forma espressiva trovo i software un vero e proprio habitat nel quale ci si può orientare anche in modo istintivo.

 Con i video screening per esempio quelli per la Caos Gallery, riesci anche a entrare nel mercato dell’arte, solitamente non adatto alla videoarte. Come ti rapporti con l’economia dell’arte, con le gallerie, con i collezionisti?

 Igor Imhoff È veramente difficile proporre videoarte in Italia. Mi è capitato spesso di esporre opere video in galleria o strutture simili, soprattutto all’estero, dove sono riuscito a trovare anche un riscontro economico, soprattutto con i progetti di animazione, attraverso premi o tramite la cessione dei diritti per trasmissioni. A parte questo non ho sono mai entrato in un circuito commerciale di gallerie e affini.

Penso sia dovuto in parte al mio carattere indipendente e da una ricerca non facilmente inseribile in un determinato genere. L’ho notato con “Boy”, presentato alla Caos Gallery. Non nasce come video ed è pensato come installazione. Inserito nel contesto della galleria, funziona molto meglio rispetto ad altri miei progetti. Non c’è una storia, l’azione è minimale anche se in grado di delineare lo spazio.

Inoltre penso che spaziare tra vari generi renda il mio lavoro non facilmente individuabile e di conseguenza poco appetibile dal punto di vista economico. Ad ogni modo svolgendo un’attività professionale legata al video e alla grafica posso permettermi, con qualche difficoltà, di sperimentare sul campo molte soluzioni e trovare le risorse necessarie per produrre in autonomia i miei progetti.

 Parti dal disegno per le tue creazioni? Hai un segno a volte fumettistico,  con immaginari dark come in Percorso…ci puoi raccontare questa parentela artistica?

 La serie dei “Percorsi” conclusa con “Planets”, nasce come progetto pittorico ispirato fortemente dalle pitture rupestri. Spinto dalla curiosità e da una tecnica sviluppata per animare i personaggi di un videogame ho provato a costruire delle piccole storie animate.

Si tratta di centinaia di fogli ossidati e macerati (come un glitch analogico) sui quali ho tracciato delle figure ispirate alle pitture primitive e disposte in una sorta di mappa della memoria fatta di segni e simboli. Successivamente i disegni sono stati digitalizzati e rielaborati attraverso algoritmi, da me realizzati, in figure tridimensionali pronte per essere animate, senza perdere la loro essenza pittorica e materica. L’intento è di animare la pittura, estendendo il concetto alle azioni e alle voci delle figure.

Le figure rupestri possiedono una carica simbolica facilmente identificabile grazie a forme essenziali, composte da pochi segni. È un immaginario oscuro, ma non negativo. Un viaggio nella memoria e come tale non restituisce le cose come sono accadute, ma offre una visione distorta. Le figure spesso compiono azioni topiche per poi dissolversi o riapparire seguendo un percorso simbolico liberamente interpretabile dello spettatore.

Generalmente nei miei progetti l’aspetto grafico è quello più soggetto a mutamenti anche drastici. Rispetto ai suoni e alle simbologie esso è sempre in secondo piano. Penso anche ai lavori successivi ai Percorsi, dove l’immaginario è più ispirato dalle atmosfere videoludiche dalle quali provengo; di conseguenza anche gli aspetti narrativi sono enfatizzati da una regia più cinematografica e da glitch evidenti.

Questo per dire che i miei lavori nascono da tantissimi appunti sui quali annoto le suggestioni relative un determinato argomento, poi passo alla creazione, attraverso personali algoritmi, del suono che rappresenta l’elemento unitario e costante dei miei progetti. Non produco storybaord e mi servo del sonoro per ordinare gli appunti, indirizzare la ricerca grafica e, infine,stabilire i vari momenti della regia. Penso sia l’elemento al quale dedico maggiore attenzione.

 A proposito del videomapping come Idiophones al festival colli Euganei, a Este puoi raccontare come ti rapporti con un format che ormai è in netta evoluzione di genere, da spettacolo audio visivo urbano che contiene elementi performativi, architettonici, grafici alla sua applicazione al teatro vero e proprio come scenografia? Ci sono già alcune teorizzazioni sul videomapping a proposito della necessità di una mediaturgia da rispettare. Quali potenzialità vedi in questo genere d’arte? E come lavori su queste superfici urbane? Quale la tua ispirazione? E quali software usi?

Realizzo videomapping da un paio di anni. Mi sono avvicinato al genere per caso e prima di allora non pensavo fosse così stimolante. Anche se ho ancora molto da imparare sull’argomento, ho cercato di dare un taglio molto personaleadattando i miei metodi di lavoro e ispirandomi maggiormente alle avanguardie cinematografiche che alle sperimentazioni più contemporanee.

Proporre un progetto animato su una architettura è ben diverso rispetto alla normale proiezione cinematografica alla quale sono più abituato. Non mi aspettavo di trovare un pubblico così ben disposto verso progetti non narrativi e basati principalmente su suggestioni visive.

Le potenzialità penso siano molteplici. Negli spazi urbani è un modo per creare momenti di aggregazione anche in luoghi imprevisti. Ci si immerge, non è semplicemente visione. È un genere dove sono necessarie numerose competenze tecniche e tecnologiche, per cui è un territorio nel quale la professionalità e le competenze tecniche rappresentano ancora un valore importante. È un ambito nel quale è possibile muoversi senza particolari filtri di critica e mercato presenti in modo un po’ invasivo altri generi artistici.

Il mio approccio alla materia è forse un po’ empirico. Ho avuto la fortuna di lavorare fuori dall’ambito artistico come modellatore 3d per architetture e come fotografo e tali esperienze sono state di aiuto per stabilire i layout. Le tematiche sono spesso legate al luogo o ad una manifestazione specifica, così l’architettura diventa un pretesto sul quale costruire e alternare sequenze di suggestioni senza rincorrere le geometrie. Preferisco considerare la superficie come un supporto per una effimera pittura rupestre, contraddistinta da azioni e iterazioni simboliche.

Per fare questo mi servo di ogni mezzo possibile, dall’animazione tradizionale al rendering in 3d senza disdegnare filmati di archivio pesantemente rielaborati. Nel caso di Idiophone, il pretesto è stato la mostra le “Meraviglie dello Stato di Chu” dove ho avuto la possibilità di avere a disposizione il materiale fotografico delle opere in mostra e il sonoro ricostruito fedelmente sulle musiche e gli strumenti dell’epoca.In questo modo non ho operato diversamente dal solito. Ho montato l’audio affinché avesse una sua forza crescente e sistemato le varie suggestioni grafiche in base alla forma d’onda. La possibilità di operare attraverso archivi permette di evidenziale aspetti simbolici e archetipi senza tradire la mia personale ricerca.

Riguardo i software al momento non ho preferenze. Ho trovato più utile progettare il binomio hardware/software in base alle caratteristiche del luogo o dello spettacolo. Ogni progetto, perciò, ha avuto una genesi diversa. Il materiale audiovisivo è realizzato con i miei soliti programmi di animazione, mentre per la parte live a volte mi sono servito di Resolume, altre volte di programmi come Processing o VVVV. Nel caso del “Poema del fuoco” di Skrjabin a Venezia, per la parte interattiva ho veicolato il segnale di profondità di una Kinect con un controller midi attraverso una stranissima catena di software (molto labile). Per i prossimi progetti vorrei utilizzare software non commerciale e libero.

Puoi raccontare come realizzi queste bellissime maschere o busti posthuman come quello per la mostra curata da Tozzi per Andora?

Intanto grazie a nome dei “Droni”. È un progetto nato in modo accidentale. Insegno modellazione 3d, presso la scuola internazionale di Comics a Padova e per spiegare i metodi di lavoro ho costruito le prime figure. Si tratta di lavori quasi totalmente realizzati in ambito digitale attraverso catene di più software di grafica 3d. Le maschere nascono o da scansioni 3d di volti (Infatti uno dei lavori in mostra è un mio volto digitalizzato con una kinect) o dall’uso di software di scultura digitale dove costruisco le forme e le dettaglio. Nelle fasi successive il modello è ottimizzato per consentire la definizione dei materiali, dei colori e delle texture. Il risultato di questa procedura è destinato all’animazione, alla stampa in 3d o all’illustrazione, come nel caso delle opere in mostra.

Ringrazio Maurizio Marco Tozzi perché l’idea di mettere in mostra questi lavori è stata veramente inaspettata. Non avevo considerato queste figure al di fuori del contesto didattico nel quale erano nate, anche se nei fatti sono diventate un progetto parallelo al quale sto lavorando da tempo.

 e infine i nuovi progetti 🙂

Igor Imhoff Mi piacerebbe dire che è in dirittura di arrivo un nuovo video animato che cerco di portare avanti da tempo. È un progetto particolare nel quale mescolo il disegno con il rotoscopio e tecniche avanzate di animazione 3d. Tale lavoro è progredito poco negli ultimi tempi per viadelle richieste relative aivideomapping. In fatti a breve inizierò i lavori su uno spettacolo di musica dal vivo, con orchestra e voci basato su “Il combattimento di Tancredi e Clorinda” di Claudio Monteverdi, nel quale realizzerò tutti gli aspetti visuali ed interattivi…Con la supervisione di Carlo Montanaro e la collaborazione di Michele Del prete ed Elisabetta Di Sopra.

Per il prossimo anno è previsto il mio primo videomapping fuori dall’Italia e al momento non posso purtroppo dire di più. Contemporaneamente sarò alle prese con alcuni progetti di musica dal vivo. In uno in particolare lavorerò a stretto contatto con l’amico musicista, Michele Del Prete, su una videoinstallazione basata su musica generativa relazionata a piccole animazioniispirate dalle pitture rupestri e gestite in modo autonomo dal software.

Nel medio periodo dovrei articolare ulteriormente il lavoro su Boy presentato alla Caos Gallery e proseguire con il progetto Droni per renderlo in grado di sostenere una mia personale composta da nuove immagini, un video del quale esiste già una sceneggiatura e alcune stampe 3d. Tutto compatibilmente con i miei impegni professionali e la mia prossima collaborazione con L’università di Ca Foscari. Per fortuna non devo parlare della vita sociale…

Projection designs for the Royal Edinburgh Military Tattoo
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The spectacular large format projections that have graced Edinburgh Castle for the last 11 years creating a dramatic and dynamic backdrop for the iconic Royal Edinburgh Military Tattoo season have just become hugely brighter and even more visible with a new video projection system specified by digital artist Ross Ashton from The Projection Studio.
The 12 x Panasonic PT-DW17K2 projectors have been purchased by the Tattoo and are running for the first time during the 2016 programme which launched last week showcasing another exciting and eclectic mix of military pageantry, music, dance, technical wizardry and special effects which will enthral audiences from all over the globe.
The increase in brightness and clarity compared to the PIGI film projectors which had served the event for the last 11 years is substantial.

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As Ross explains, “When the Tattoo first explored the medium of large format projections in 2005, PIGI was an ideal and very cost effective option for what they wanted to achieve. Now we have reached the stage where video projectors can compete in price and hugely improve the quality of the result.
When Ross was re-appointed a few months ago as Tattoo projection consultant for the next five years, he felt it was an opportune moment to persuade all involved that digital was the way to go, and they agreed.
Apart from being much brighter, the whole system is infinitely more flexible. Content can be changed and added quickly and easily via on site editing and additional materials and special moments can be incorporated into the show.
The castle walls have long been one of the most challenging projection surfaces on which to work, with its 75m depth front to back, its lack of symmetry and its dark brown colour devouring lumens voraciously.
With the move to video and the greater intensity, the latitude for materials has also greatly increased. The new set up, also means that the lighting elements can be a lot bolder and brighter.
Projection Studio chose the Panasonic machines based on their extremely good track record using the brand for various projects, and because of their reliability, brightness, small footprint and cost effectivity. A Watchout control system is also part of the package, which was supplied via Mirage Associates.
“The projectors and the control are perfect solutions for this project,” says Ross.
This year’s show pays tribute to HM The Queen’s 90th year, marks the hundredth anniversary of the naval Battle of Jutland and the Great Arab Revolt in 1916 and highlights the history of military music in Tunes of Glory. For this The Projection Studio created a completely new set of video content that is projected for two thirds of the 90-minute show … from when dusk falls.

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Many memorable moments include the footage for the Lochiel Marching Drill Team from New Zealand, who performed their precision routine to a Lord of the Rings medley, with Edinburgh Castle transformed into Mordor complete with flowing rivers of lava, fire-breathing dragons, smouldering volcanoes and cracking buildings.
The Band of Her Majesties Royal Marines perform the Battle of Jutland with video compliment including 3D battle cruisers, and the castle morphing into the engine room of a Dreadnaught battleship.
For the US Army Band Europe, by complete contrast, the castle was covered in animated stars and stripes and musical notes.
Ross and his team from the Projection Studio worked on compiling the show material as soon as it was confirmed that the video projectors and control would be delivered in time for the 2016 season which runs for 4 weeks until the end of August.
Ross is “delighted” to be working with the new system. “It opens up the scope for creativity and for us to produce much more complex visual effects, and it’s also great to work with the Tattoo team led by producer Brigadier David Alfrey who have really underlined their commitment to bringing the highest production values to the whole Tattoo experience”.
The projection was programmed and is being run by Karen Monid for the Projection Studio, the event lighting designer is Gerry Mott and the audio designer is Sebastian Frost.
Ends.
Date of issue : 23rd August 2016

Golem, micromapping on sculpture by BK studio
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GOLEM est une rencontre en l’art antique et l’art numérique moderne. La sculpture et la video s’associent pour créer un sentiment d’inquiétante étrangeté.

Ce projet questionne le manque de vie inhérent à l’image virtuelle et à la sculpture. Golem explore la fine frontière entre la réalité virtuelle et la représentation matérielle. Golem is an installation using antic sculpture and video to create the uncanny feelings. Instilling the living and the human in the non-human, this work questions the deception of the virtualized image of the living and our empathy for a picture of the reconstructed body, in short the sensitive border between virtual reality and virtuality real”

http://www.bk-france.com/#/golemxmba/

BK here the site

Direction artistique / création Arnaud Pottier (BK)
Direction technique Julien Aubry
Motion design Arnaud Pottier, Etienne Guiol

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Media Architecture Compendium Häusler, Hank M. / Tomitsch, Martin / Tscherteu, Gernot
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New frontiers for media architecture: Media Architecture Compendium  (AV edition) by Häusler, Hank M. / Tomitsch, Martin / Tscherteu, Gernot explores how digital media is shaping cities today and in the years to come.

It illustrates groundbreaking use of light and media in urban environments through 36 winning or shortlisted entries from the Media architecture Biennale awards in 2014 and 2016 in five categories:

animated architecture, Money architecture, Participatory architecture & Urban Interaction, Spatial Media art, Future Trends & Prototypes.

All three authors are board members of the Media architecture Institute, a non-profit organisation with offices in Vienna, Sydney, Beijing and Toronto.
ISBN 978-3-89986-251-5
Language english
Year of publication 2017
Pages 216
Cover Hardback
Illustrations approx. 250 photos
Dimensions 8.7 × 9.4 in
Delivery period Pub. Date: March 2017

Origins, a Videomapping by Volvox for Panorama Festival, NYC
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Volvox Labs [VVOX] uses dynamic motion graphics, lighting, digital fabrication and new media technologies to help artists and brands connect with audiences through creative innovation. The studio creates digital and physical experiences for award winning artists, musicians and iconic brands. First creating high-end content design for music festivals, and then to software development for interactive new media, responsive environments, the VVOX team combines video, sound, architecture and visual effects within dynamic physical spaces and custom built structures.

For the inaugural Panorama Festival in NYC, they used projection mapping techniques to transform the façade of The Museum of Reinvention aka The Lab building into a luminous, living and breathing portal.

Titled, Origins, they created a visual journey, employing a montage of growth mechanisms, microorganisms, data driven generative content and living systems to evoke a sense of wonder about hybrid connections.

https://vimeo.com/178774596

they created high-definition video, live action visualizations of natural organic forms projection-mapped onto the surface of the LAB facade, creating the illusion of being contained within its structure. To encapsulate and create a live input from the festival itself, we included generative data-driven ‘moments’, which over time created a genome of the Panorama experience.

Art/Technical Direction Kamil NawratilGenerative GLSL content: Shuvashis DasHoudini tips: rich_lord at OdForce Maxime CauseretCinema 4D ecosystems: Conor StautzThe Lab Mockup Fabrication: Zyia Zhang Hannah FinkProject Management: Pa Her

Art/Technical Direction: Kamil Nawratil
Generative GLSL content: Shuvashis Das
Houdini tips: rich_lord at OdForce Maxime Causeret
Playback system design: Javier Cruz
The Lab Mockup Fabrication: Zyia Zhang Hannah Fink
Project Management: Pa Her

Dandy punk live projection mapping
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Performed by Ekenah Claudin

Created by a dandypunk with Flippingmonk

Also performed by Terry Kvasnik and Stephan Choiniere

Music by Kvasnik.cz

The alchemy of light, a projection mapping live performance 

Using projection mapping onto street furniture, a dandypunk travels through various fantastical worlds, interacting with strange characters and treacherous landscapes, in the hope of unfolding the secrets and learning the techniques from the ancient book of “The Alchemy of Light”.

Direction, illustration*, animation* and performance of all characters* by a dandypunk

*Sacred Geometry by Grahame Gardner westerngeomancy.org
*Tentacle animation by RUBBISHBELT.COM
*Falling silhouetted man performed by Roger Fojas

Il genovese Alessandro Lupi al Festival internazionale della Luce di Cascais. Dall’Accademia al successo internazionale nel mondo dell’arte
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Si chiama UNIVERSAL SPIN l’installazione cinetica creata da Alessandro Lupi basata sulla luce e sul movimento della forma scultorea a spirale nell’ambiente. Sarà lui a rappresentare idealmente l’Italia in questo prestigioso Festival di luce a Cascais, Portogallo, dove troveranno spazio videomapping architetturali, workshop, installazioni luminose basate sul tema delle 4 stagioni della luce. Lupi simboleggerà l’autunno.

Lupi ha studiato all’Accademia Ligustica di Genova

Complimenti all’artista genovese che ho avuto modo di apprezzare anni fa alla galleria Guidi & Schoen e a quella di Palazzo Ducale (Percezione) di Genova! La sua arte è quella che ama chiamare “densità fluorescente” ed è qualcosa di sorprendente: fili di poliestere dipinti uno ad uno con pigmenti fluorescenti e/o fotoluminescenti ed illuminati da luce nera di Wood.
“I soggetti sono spesso corpi tridimensionali, che dialogano con lo spazio in modo cinetico o statico, ogni lavoro nasce come un mondo a se, tutto si concentra sul concetto di “inversione” cioè sulla possibilità di offrire allo spettatore un punto di vista contrario a quello previsto e prevedibile, nelle sue opere la dicotomia di situazioni opposte come interno – esterno, libertà- prigionia, vita-morte è annullata dalla percezione quasi contemporanea dei due aspetti, che non privilegia alcuna prevalenza percettiva o gerarchica”.

“Il mio percorso artistico si è sempre rivolto verso l’invenzione di nuove tecniche come le densità fluorescenti (sculture fatte di fili tesi e dipinti con speciali pigmenti fluorescenti e illuminati con la luce nera) o utilizzando diversi effetti per creare illusioni e modificare lo spazio per sollecitare l’interpretazione mnemonica di chi interagisce con l’opera.”

Qua il suo sito www.alessandrolupi.com

4D projection by Nurformer
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From http://mc2talks.mc-2.com/2016/06/captivating-event-audiences-immersive-experiences/

4d Projection – Introducing Michael Jordan ‘Melo M8’ – Amazing Water Projection

“Until recently, 3D mapping projection campaigns typically ran no longer than 5-10 minutes. Now, some 3D mapping campaigns now are running for an entire day or week, like animated wallpaper,”, according to Rob Delfgaauw, CEO of NuFormer, a leading developer of 3D mapping projections.

But it hasn’t taken off yet and Delfgaauw has a major theory about it. One of the main barriers has been a lack of general understanding by event planners and marketers of the technology.

“Many people aren’t even aware of its existence, and only a relatively very small number of people have actually seen them in person,”Delfgaauw says.

As a result, many event planners and marketers have been unable or unwilling to convey the benefits and value of the technology to decision-makers.

(…)

The impact of 3D mapping projections in social media is undeniable. NuFormer’s 2010 campaign launching Samsung’s 3D TV model in Amsterdam, showed the viral nature of 3D mapping projections. According to Delfgaauw the campaign generated over 50,000,000 views on the web from 2010 to 2013.

samsung

3D video mapping – Samsung, Amsterdam, the Netherlands – May 2010

The company also developed a logo reveal 3D mapping campaign in 2013 for Philips aimed at highlighting the relocation of the company’s headquarters to Amsterdam. The campaign incorporated an interactive element using Kinect, which allowed dance scenes from street goers to be overlayed onto the façade of Philips’ new headquarters.

3D video mapping – Philips, Amsterdam, the Netherlands – November 2013

Ocubo Internacional Reference on Video Mapping and Interactive Projections
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From Concept to Exhibition, OCUBO provides all the in between stages including contents creations, 3D animations, illustrations, motion design, video Mapping and Interactive application development.
The domains of expertise are as well artistic as commercial with a stress on interactivity and participative installations.

LUMINA 2015 – WebSite

Light paintings, interactive live painting by OCUBO
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Light Paintings è un’installazione multimediale interattiva di OCUBO, adattata all’architettura del palazzo o della statua scelta, in cui il pubblico è invitato a dipingere la facciata dell’edificio con la luce, creando disegni meravigliosi dalle tonalità accese per mezzo di un piattaforma interattiva disposta in loco.

Quest’opera d’arte lancia allo spettatore la sfida di diventare un artista creando un elemento visivo dinamico e in continua trasformazione, come una fioritura di disegni che si alternano nel tempo.
Un modo fantastico di animare e interagire usando le caratteristiche architettoniche dell’edificio con creatività e immaginazione.

Alberobello light festival
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Dal 23 al 2 agosto 2016 i trulli torneranno a illuminarsi per la prima edizione internazionale dell’Alberobello Light Festival.

Torna, dopo il successo delle edizioni precedenti, la versione estiva del Festival delle Luci che avrà come tema le ‘visioni’ che gli artisti hanno sulla luce e sull’arte della luce, e le loro interpretazioni, che si snoderanno in un percorso suggestivo che toccherà i luoghi più caratteristici del paese.
Tali visioni, ideate da prestigiosi artisti internazionali, prenderanno forma tramite installazioni artistiche e video mapping, tecnica che permetterà di proiettare i giochi di luce direttamente sui trulli e sulla facciata della Chiesa di Sant’Antonio da Padova. Trasformate in una sorta di display, queste superfici si animeranno con immagini e luci creando affascinanti disegni dalle innumerevoli tonalità che il pubblico stesso potrà contribuire a trasformare con la sua creatività e immaginazione.
Non solo un’esperienza visiva dunque ma anche un’esperienza interattiva che regalerà agli spettatori l’emozione di diventare artisti creando una propria opera d’arte che verrà visualizzata al momento sul monumento.

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Lightcones e l’Associazione Giovani Imprenditori Turistici (AGIT), responsabili rispettivamente della Direzione artistica e organizzativa del Festival, si avvarranno quest’anno di una curatrice artistica d’eccezione, Carole Purnelle che, all’interno dello studio OCUBO, ha fondato, diretto e prodotto il LUMINA Light Festival a Cascais, in Portogallo.

L’Alberobello Light Festival si svolgerà, come nelle edizioni precedenti, in collaborazione con il Comune di Alberobello e partner ufficiale sarà l’azienda Natuzzi che torna a contribuire con una sua installazione, tra tradizione e innovazione, allo spirito artistico del Festival.
Senza il loro contributo fondamentale, unito a quello degli imprenditori che hanno deciso di sostenerci, il Festival non sarebbe così luminoso.

Curatrice artistica

Carole Purnelle (Ocubo)

Direzione artistica
Lightcones

Direzione organizzativa
AGIT

Partner ufficiale
Natuzzi

Partner istituzionale
Comune di Alberobello

LIGHTCONES Lightcones è un’associazione di promozione sociale fondata per promuovere e valorizzare l’eredità artistica e culturale delle città e delle aree urbane Unesco attraverso tecniche di visual art, light e video mapping. È formata da un gruppo di ingegneri, programmatori, designers e visual artist con una grande passione per la tecnologia e l’arte audiovisuale.

Visualia summer edition (Pula)
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Visualia Summer Edition will repeat video mapping, D-Stroy by Undertoon, witch was premiered at the Festival Visualia in May 2016. In case you’ve missed it or you simply want to see it again, join us on 13th of August 2016 at Forum. Program begins at 21:30 hours so we suggest that you come a few minutes earlier because projection starts precisely on time and ends at 21:35 hours.

>>Visualia Group interactive light installations<<
This year’s novelty is repeating interactive light installations by Visualia Group. At Forum will be presented interactive light installations “Visualia Wall”, “Magic Garden” i “Residence of Light & Music”. Installations will turn on after video mapping is watched and will stay on until 23:00 hours. In description below, find out in what ways it is possible to interact with these installations. They are artworks of creative informal artistic Association – Visualia Group, hardworking group active through all year.

VISUALIA WALL – wall with two faces. On one side this wall is interactive and respond to movement and sound created by passerby. On the other side it has a screen that will display promotional videos.

MAGIC GARDEN – in case you need a place just to relax, this is a right installation for you. Let your imagination guide you in a journey of creating your own garden that will fulfill your needs. Magic Garden is an interactive light installation that merge new technology and the beauty of nature through light and music. The garden is filled with magical mushrooms that comes alive with a simple hand movement and wake up the artist in a visitor. Using sensors, visitor chooses which color is going to fulfill different parts of the garden. But watch out, no magic last forever! Make sure you capture your own creation.

RESIDENCE OF LIGHT AND MUSIC – this fun interactive light installation consists of a three lighting and musical benches that contain the sounds with different instruments. With a simple hit on the surface of the bench, visitor can create his own melody or simply by connecting via Bluetooth on it, he can enjoy his favorite song. Find out how much skill you have playing on them!

PROGRAM:
(Forum)
21:30 – 21:35h D-Stroy – Undertoon
21:35 – 23:00h Visualia Group interactive light installations

THE EVENT IS FREE FOR ALL VISITORS!

The event is organized by Association Sonitus and Tourism Office Pula. It’s supported by the City of Pula and co-founded by the European Union – Creative Europe, Spectrum 16 – TRANSNATIONAL Light.

We would also like to remind you that you can visit interactive exhibition Storywood, which was also premiered at the Festival Visualia in May 2016. You can visit Storywood every day from 09:00 – 23:00h at the Museum and Gallery space Sacred Hearts. It stays open until 31st of August 2016.

Projection mapping and other digital works by Tobias Gremmler
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Tobias Gremmler (Bio):
Tobias Gremmler is Visiting Associate Professor at the School of Creative Media, City University of Hong Kong and Visiting Professor at the Shanghai Theatre Academy. He started his career as media artist and designer in the early 90s. His work has been shown at Ars Electronica, Transmediale, and theatres like Volksbühne Berlin and Cultural Centre Hong Kong. He blends media art and design with traditional art forms like theatre, music and sculpture. As Designer, he developed digital design solutions for companies such as Apple, Adidas, BMW, Samsung, Swarovski and Sony. Book publications: ‘Grids for the Dynamic Image’ 2003, ‘cyberBionic’ 2008, ‘Creative Education and Dynamic Media’ 2014.
Homepage: www.syncon-d.com
Teaching and Research: www.syncon-d.com/hk

Aileen by Alex POPA, selected work for FIMG in the category of Micromapping
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Aileen is an attempt to focus on a stratified world. Substance is represented in a material light form, providing a psychological maturity. An attempt to create clarity, to make some light.

 BIOGRAPHY

 Alex Popa was born on 1992 in Brasov, Romania. He is graphic Designer, 3D artist, Motion Grapher. Graduated in the Academy of Fine Arts of Bologna (IT) after a longer trip to Germany he decided to pursue his studies in Game Design, in Augsburg (DE). His style is shaped by a combination of graphical vector techniques and 3D Graphics, mixed all together by some surreal concepts.

 

LINKS

 

https://www.artstation.com/artist/alexhagen

https://vimeo.com/alexvanhagen

https://www.behance.net/alexvanhagen

THE FIMG 2016 ANNOUNCES THE WINNERS OF THE III INTERNATIONAL MAPPING COMPETITION OF GIRONA
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  • News

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FIMG- GIRONA, II INTERNATIONAL LIGHT AND MAPPING CONGRESS, 21ST- 23TH July
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From 22 to 24 of July GIRONA (SPAIN) celebrates the FIMG 2016, a free festival that weaves the cultural value of Girona with the contemporary cretion through the innovation and audiovisual arts.

 The FIMG includes the III International Mapping Competition – with a new category, eleven prizes valued in more than 28.000 € and three popular votation prizes-, and the II International Light and Mapping Congress, a space for debate and reflection for professionals, artists and students of the sector.

 The themE of the FIMG 2016 is abour the landscapes.

 The FIMG 2016 keeps the same structure than the last edition: the III International Competition of Mapping, with projections of the selected artistic proposals in some of the most representative facades of the city, and the II International Mapping Competition, a space for dialogue and reflection dedicated to professionals of the sector.

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CaixaForum Girona welcomes the II International Light and Mapping Congress organised by the International Mapping Festival of Girona is a place for discussion and reflection — an event to witness the talent of artists in the sector, discover the latest innovations and learn various techniques. It aims to foster the exchange of knowledge and expertise in an environment for developing professional ties.

The Congress targets sector professionals and students (artistic and technical) as well as anyone interested in the subject — advertising agencies, designers, set designers, museum and videoart professionals, tourist boards and economic promotion departments, private companies, etc.

Projection mapping is a widely established technique. It is applicable in many fields for artistic expression as well as for commercial and tourism purposes. It is used on buildings and clocks, on opera set designs and dance shows, in indoor installations or on outdoor vegetation, in music clubs and art galleries.  It offers increasingly greater possibilities, and the technological advances open horizons unimaginable until now.

 DATESWorkshops: 19 and 20 July from 10am to 19pm, July 21 from 10am to 14pm.
Congress: July 21, 15: 30h to 19h, 22 and 23 July morning and afternoon (check schedules).

 CONTENTS

The contents, focusing on mapping applications, are structured as follows:

. Workshops: theoretical and hands-on sessions.
. Talk: presentations on various subjects related to projection mapping.
. Meet the artist: informal talks where artists explain their work and experience.
. Technical: sessions for discovering the latest technical innovations in the sector.
. Discussion panel: round table featuring various experts.
. Showroom: venue for showcasing the work of companies and artists.
. Screening: continuous projection of the best international mapping projections.

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LLISTAT DE CONFERENCIANTS
LISTA DE CONFERENCIANTES/ LECTURERS LIST

JOANIE LEMERCIER (FR),
Founder of the prestigious collective AntiVJ. The work of Lemercier is about the lighting projection and how it transforms the space and changes the perception of reality. Lemercier has worked with artists like Flying Lotus an Adrian Utley of Portishead, between others, and has shown his work in the Digital Art Museum of Pekín, Art Basel  and the Sundance Film Festival.

PABLO VALBUENA (ES),
Spanish visual artist living in the south of France, developes artistic projects with the light as a raw material, where he dialogues with the space, the time and the perception. His work is an overlap of that physical and virtual, a solution of the boundary between reality and perception and a creation of mental spaces for the observer where the most important is the subjective experience. He has done exhibitions in galleries and biennial shows, and has done public conferences in Europe, Asia and America. 

AMAR MULABEGOVIC (CZ),
Cofounder of The Macula audiovisual brand and of the Signal, the festival of videomapping, light projections and installations that takes place in Praga in October.

ELOI MADUELL I SANTI VILANOVA (CAT/ES),
They are members of the Playmodes audiovisual research studio. They were rewarded in 2014 with the Laus de Oro award in the audiovisual category for their work Taull1123, a project that recovers with virtual technology the romanic paints of the Sant Climent de Taüll church. The studio works in the creation of interactive immersive installations, mapping and graphics with movement.

ALI M. DEMIREL (GER)
He has designed scenography for such renowned artists like Richie Hawtin, between them the Enter project, or The Objekt, with the alias of Plastikman Live, the monumental obelisk premiered in the Guggenheim of New York and presented, among other places, in the Sónar festival.

SHANE WALTER (UK)
He has worked for more than 20 years in the digital sector, is creative director, curator, comissioner and writer. He is also cofounder and director of Onedotzero, a cultural digital production company that works to create experiences that merge art, entertainment and technology.
Ha trabajado durante más de 20 años en el mundo digital, es director creativo, curador, comisario y escritor. Es cofundador y director de Onedotzero, productora cultural digital que trabaja para crear experiencias que fusionan el arte, el entretenimiento y la tecnología. 

FILIP STERCKX (BE) és membre d’Skullmapping, estudi d’animació belga especialitzat en projectes de mapping, experiències de realitat virtual i hologrames.
He’s member of Skullmapping, a Belgian animation studio specialized in mapping projects, virtual reality experiences and holograms.
Es miembro de Skullmapping, estudio de animación belga especializado en proyectos de mapping, experiencias de realidad virtual y hologramas. 

VISUAL BRASIL (BR)
Is a festival of artistic performances focused on video and sound in real time. Its aim is show and debate about new techniques and concepts of the contemporary audiovisual scene. 

THOMAS VAQUIÉ (FR)
He is a musician and takes part of the renowned visual label AntiVJ, to whom he creates the soundtracks of the audiovisual installations.
TELENOIKA (ES),
Visual creators group born in the 2000 in Barcelona that works to spread the innovations in artistic languages thanks to new audiovisual technologies. Telenoika supports emergent artists through the formation, aids for research and activities that create new creative dynamics through the audiovisual experimentation.
ARCADI POCH (ES)
He is urban art curator and culture responsible of Montana Colors, leader brand in the production of spray paint for graffiti’s and fine arts. Founder of Kognitif, international network of creators and professionals that develope projects in public spaces, Poch will explore through different urban artists that work and understand the plastic concept of light. 
ALEX POSADAS (ES)
He is digital creator, investigator in the interactivity field and musical producer. Works as a coordinator and project director in the interaction lab of Hangar in Barcelona, and developes projects as an independent multimedia producer. He also collaborates in collectives like Dorkbot Barcelona or Neuronoise group.
JULIETTE BIBASSE (FR)
She is an independent digital art producer, creative director and curator. From 2009 she is working connecting artists, festivals and cultural actors. As a producer, she has collaborated in a wide range of projects with international artists in the cultural and business field. She is agent of artists like Joanie Lemercier, Guillaume Marmin, Equipo de vacío and Herman Kolgen, among others. 
LÁSZLÓ ZSOLT BORDOS (HU)
He is 3D artist specialized in video mapping projection. After collaborating with the main international artists of mapping under the name of Bordos.ArtWorks and Invited Artists, Bordos works with installations and projections for theatres and operas. 

NÚRIA FONT (ES)
She is artistic director of the NU2’S association, audiovisual producer and curator. She focuses her work on dance and scenic arts, she has directed documentaries of dance and events like the VAD festival in Girona or IDN in Mercat de les Flors. She is a teacher in Institut del Teatre and in the Conservatori de Dansa María de Ávila of Madrid. Awarded in 2009 with the National Dance Prize of Generalitat de Catalunya. 

MARIONA OMEDES (ES) 
She’s director of the audiovisual studio Nuevojos. Art director, multimedia artist and illustrator, in 2011 she won the National Prize of Culture of Catalunya grant by CoNCA in the audiovisual category. Nueveojos has created mapping for FC Barcelona, Casa Batlló of Antoni Gaudí, among others. 
MAYA BENAINOUS I CYRIL LAURIER (ES)
They are cofounders of Hand Coded, a visual arts studio, interactive installations and live shows. Cyril is doctor in musical technology and investigates the music emotions. Maya studies how technology can generate emotions and creates algorythms to generate designs, interactions or animations. 
BECA BÒLIT. CENTRE D’ART CONTEMPORANI GIRONA.
The congress will also offer a conference dedicated to Beca Bòlit granted by the Centre d’Art Contemporani de Girona. The conference will be attended by Carme Sais, director of Bòlit, and the artists Rafael Triana, winner of the 2015 Bòlit scholarship, and Alex Popa, winner of the 2016. Their pieces will be exhibited in FIMG 2016 and 2017.

 

Città invisibili invade il FLIPT 2016
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JUNE 22nd  – July 3rd

Workshop “The urban environment trasformed by art” on the construction of Città Invisibili (“Invisible Cities”), which will be concluded with the show Città Invisibili in Fara Sabina, July 2nd and 3rd.

 Participants enrolled in 2016 FLIPT will have the great opportunity to:

 Learn a working method on urban areas transformation with site-specific techniques and different art forms transforming urban environment, under the artistic direction of Pino Di Buduo (Teatro Potlach).

 Take part in a workshop about stage designs coordinated by Prof. Agnese Giglia, who will arrange the stage designs ready to change the architectural and urban areas of the historic city, together with a group of students of the Academy of Fine Arts of Palermo

Attend a digital scenery workshop directed by Prof. Luca Ruzza, who will arrange the interactive and artistic projections in order to narrate the urban architecture designs of the Historic city, with a group of students of the University “La Sapienza” of Rome and in cooperation with Vincenzo Sansone.

The participants in the whole Festival will have the chance to be actively involved in the show with a performance of their own especially designed to this aim, with the support of Pino Di Buduo and with the help of the stage directors participating in FLIPT. Actually Pino Di Buduo’s stage direction will be assisted by the director Kiomars Moradi (Iran), by the director James Jordan (Pennsylvania, USA), and by the playwright Cristopher Shorr (Pennsylvania, USA), by the director Roberto Prestigiacomo (Texas, USA).

 Alongside the arrangement of the final show, all those taking part in FLIPT will meet the opportunity to attend several workshops, run by famous masters (Claudio De Maglio, Eugenio Barba, Julia Varley, Keiin Yoshimura, Parvathy Baul), and whose achievements might be added to Città Invisibili.

What is Città Invisibili?

COMPLETE PROGRAM OF THE FESTIVAL

Link per lezione Spezia
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Bill Viola The emergence.Masolino da Panicale 1492 Pietà

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Pontormo, Visitazione, (1528 ca.), Carmignano, Pieve di San Michele, Bill Viola The greetings 1995

Verosimilmente realizzato verso il 1895, questo quadro è rappresentativo dell’evoluzione dell’arte di Cézanne che, dopo circa venti anni, si è allontanato dall’impressionismo. Proprio lui, l’artista che desidera “trattare la natura con il cilindro la sfera ed il cono” affronta questo ritratto come una natura morta. Ciò nonostante, le mani da lavoratrice della modella, il viso scavato ma dignitoso, attestano la benevolenza del pittore per questa “icona monumentale della vita semplice” (F. Cachin).

Paul Cézanne

Paul Cézanne

Robert Wilson

http://www.dailymotion.com/video/x6yfqk_la-femme-a-la-cafetiere_creation

 

 

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=z3JHoMG05rM

Life migrations, videomapping per Alghero nel quadro di IAM project
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International Augmented MED – Alghero è un progetto di cooperazione internazionale guidato dal Comune di Alghero, che coinvolge 14 partner appartenenti a 7 Paesi dell’area mediterranea (Italia, Spagna, Giordania, Libano, Palestina, Tunisia, Egitto).
Il Festival conclusivo del progetto europeo si è svolto proprio nella Città di Alghero e ha visto la partecipazione di medialize.it nell’allestimento di uno spazio urbano interattivo, invisible MIGRATIONS, di uno spettacolo di videomapping sull’architettura della Torre catalana di Piazza Sulis e uno speciale spettacolo di videomapping, life MIGRATIONS, dedicato alla valorizzazione del monumentale sito archeologico Nuraghe Palmavera.

TORRE-SULIS-ALGHERO2

Eventi di New Media Public Art che hanno visto la Città protagonista di un felice connubio tra la storia e l’espressione artistica delle tecnologie emergenti.

Maggiori informazioni sul sito IAM PROJECT >>>

Concept & Design >>> Pasquale Direse
Crossmedia Production & Composition / 3D Animation >>> Angelo Ruta Damiano Spina Aggeliki Tsekeni Raffaele Lelli Pasquale Direse

Genius Loci Weimar Festival: VIDEO MAPPING AND FACADE PROJECTION COMPETITION
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VIDEO MAPPING AND FACADE PROJECTION COMPETITION
All interested artists are invited to submit their concept ideas for the Genius Loci Weimar Festival between the opening date of 27 January 2016 up to the deadline of 23 March 2016. Submitted concepts will be displayed in a public exhibition in Weimar in spring 2016. The best projects will chosen, among other means, with the help of an audience vote. The three winning projects will then be completed with the help of prize money totalling €45,000 before being shown in the context of an evening tour of Weimar, itself part of a wider festival to take place from 12 to 14 August 2016.

The competition facades 2016

This year we leave the urban facades aside and illuminate the Ilmpark:

Contestants are invited to submit their artistic concepts by 23:59h (CET) on 23 March 2016, including:

  • a thirty-second audiovisual video clip (HD)
  • an explanatory text (max. 300 words)
  • a letter of motivation from the participant or group, including a self-description and appropriate references. As part of the application process, this text will be professionally edited to produce a definitive self-description (max. 300 words)
  • details of the support team and designated representatives

The three best submissions will be awarded the commission:

  • Commissions will comprise the creation of a 10-15 minute long high-resolution audio-visual production to be presented in the form of video mapping on the respective locations during the festival weekend (12 to 14 August 2016).
  • A budget of 15,000 euros will be made available for the completion of each prize-winning submission
  • Productions will be of the highest technical and artistic quality

Key requirements for the Genius Loci Weimar competition:

  • An innovative composition in the form of an audio-visual video mapping, with particular observance paid to the Genius Loci.
  • An individual, original and sophisticated handling of the spirit of the location with respect to history and architecture, as well as to the people who were active there and who have influenced the surroundings, and to historical events that have left visible or invisible traces.
  • The conscious omission of erratic gimmickry and showmanship, intrusive clichés and careless historical retelling.

 

 

https://www.genius-loci-weimar.de/en/competition/

Intervista a Luca Agnani, digital artist
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Non si conosce mai l’artista che c’è dietro queste operazioni di intrattenimento luminoso diventate una presenza fissa dei grandi eventi cittadini chiamate videomapping e troppo spesso definite come forme avanzate di “digital advertising”. Eppure a dieci anni tondi dalla nascita di questo nuovo genere d’arte digitale, si cominciano a riconoscere gli stili e la grammatica visiva dei diversi gruppi, che siano Urban screen, AntiVj, Apparati effimeri, Koniclab, Visualia, Telenoika. Alcuni artisti come Klaus Obermaier, Xavì Bovè e società come Nuformer e 1024 Architecture stanno anche esplorando l’orizzonte del videomapping interattivo.

Il maceratese Luca Agnani, visual designer e artista multimediale (classe 1976) con una formazione d’Accademia (ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Macerata), ha dedicato molta della sua produzione artistica digitale espressamente legata al videomapping, alla rivisitazione delle opere degli artisti della modernità, dando un’impronta molto personale, colorata e pittorica, a questa nuova forma di “ibrido mediale” che unisce la monumentalità dell’architettura all’effimero della proiezione di luce. Agnani è stato selezionato nel 2013 per “Circle of Light“, concorso internazionale di video mapping in 3D tenuto a Mosca e si aggiudicò il terzo premio.

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Grazie alla sua animazione dei quadri di Van Gogh sulle note di Experience di Ludovico Einaudi si è conquistato uno spazio d’onore nella digital art internazionale al punto che il video, arrivato a più di 300 mila visualizzazioni in pochi mesi, fu presentato proprio al Van Gogh Museum. E proprio a Van Gogh (ma non solo) Agnani dedica il videomapping delle feste natalizie e del Capodanno per Palazzo Ducale di Genova, mostrando alcuni dei capolavori della mostra “Dall’impressionismo a Van Gogh” aperta fino ad aprile.

Un sipario molto teatrale si apre a mostrare capolavori dell’arte di fine Ottocento e inizio Novecento sulle note di Vivaldi e Sollima, e ancora alcuni effetti 3D che fanno esplodere virtualmente in mille pixel colorati l’imponente facciata neoclassica che si affaccia su Piazza Matteotti. Ilvideomapping realizzato proprio nell’ “Anno Internazionale della Luce e delle Tecnologie”, ha animato la notte del Capodanno genovese, quest’anno vivacizzato dalle musiche di 101 violoncelli proprio sotto Palazzo Ducale.

Anche per Palazzo Blu di Pisa che ospita la mostra di Henri de Toulouse-Lautrec, Luca Agnani ha usato la facciata come “tela artistica” mentre un progetto assai più ambizioso lo ha realizzato per le feste natalizie a Trieste insieme con Giovanni D’Alessio per il mapping sul Municipio, dove sono stati utilizzati ben cinque videoproiettori di ultima generazione per un totale di potenza luminosa di 80mila Ansi/lumen. Un carnevale di colori che riporta alle atmosfere degli spettacoli di Son et Lumière di una volta.

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AMM Puoi raccontarci in breve come sei approdato al mapping e quale è stato il tuo percorso di formazione e professionale dopo l’Accademia di Belle Arti di Macerata? Quali le produzioni?

LUCA AGNANI: Diversi anni fa ho frequentato un corso professionale di web design, 3d e multimedia e subito dopo ho iniziato a lavorare per alcune agenzie di comunicazione curando diversi aspetti ma in particolare le animazioni 2d e 3d. Sono stato sempre attratto dalle tecniche video e quando ho visto per la prima volta un videomapping, dopo aver compreso la tecnica,  ho applicato tutte le mie conoscenze informatiche. Ad oggi ho realizzato più di cinquanta videomapping; ho proiettato sulla Cattedrale di Catania, sul Duomo Di Amalfi, di Ascoli, di Fermo, sulla Basilica di San Bernardino a L’Aquila, sul Palazzo Ducale di Genova, su quello di Perugia, sul Municipio di Trieste, sul Museo d’arte Contemporanea di Mosca, sul Santuario di San Michele a Monte S.Angelo e anche su superfici meno convenzionali come un elicottero della Marina Militare a Dakar, all’interno di una portaerei in Senegal e su una roccia alta 100 metri in Calabria.

AMM. Il Mapping è una forma d’arte digitale che ha sviluppato una drammaturgia multimediale specifica oltre l’advertising o è ancora un genere in evoluzione?

LUCA AGNANI: Il video mapping ha avuto negli anni una suo naturale sviluppo, passando da basilari proiezioni commerciali per poi arrivare a veri e propri spettacoli audiovisivi, ed, infine, a  vere e proprie opere d’arte. Penso comunque che non possa esserci evoluzione senza creatività come nella musica, nel cinema, nella fotografia o nei libri.

AMM. Il tuo stile è molto pittorico e anche prediligi artisti e autori della storia dell’arte, la qual cosa ti ha fatto diventare un “must” per musei che vogliono “promuovere” le loro collezioni e mostre temporanee. E’ una scelta stilistica?

LUCA AGNANI In questi anni ho avuto la fortuna di lavorare su alcune delle architetture più belle e importanti che abbiamo in Italia e mi sono formato soprattutto su Chiese, Duomi e Basiliche. Il fatto di prediligere uno stile pittorico forse è una conseguenza del rispetto che cerco di avere nei confronti dell’architettura stessa.

 

AMM Puoi dirci qualcosa sulle tue animazioni di Van Gogh, ho visto un’influenza da molti videoartisti da Wilson a BOUSTANI. Penso ai Portraits di Wilson e ai video per il Louvre Quale è stata la tua ispirazione principale?

LUCA AGNANI Il lavoro sui quadri di Van Gogh è nato per pura passione nei suoi confronti.
Mi sono documentato molto sul pittore Olandese e ho letto che dopo aver dipinto “la camera” Van Gogh era insoddisfatto della sua opera perché non era riuscito a rappresentare il suo raro stato di tranquillità (era il periodo in cui viveva ad Arles e aspettava la visita di Gauguin). In effetti l’emozione che si prova vedendo quel quadro, è più quella di angoscia che di serenità, e una delle cause principali è che  le ombre sono totalmente assenti. Ho pensato quindi che, ricostruendo in 3d tutta la scena del quadro e utilizzando la stessa prospettiva, avrei potuto ricavare le ombre inserendo solamente una luce. Ho trovato molto interessante l’effetto ottenuto e ho continuato a sperimentare la stessa cosa con altre sue opere prive di ombre cercando di individuare anche la posizione del sole rispetto ad Arles per dare la luce esatta.

AMM Palazzo Blu e Palazzo Ducale, come hai lavorato su questi moduli architettonici?

LUCA AGNANI: Lo scopo di questi due lavori era quello di portar fuori le opere contenute all’interno nell’allestimento delle mostre. Essendo due lavori molto istituzionali abbiamo cercato di lavorare in maniera elegante e ordinata ma carica di colori. Lavorare con le Opere maggiori degli impressionisti su Palazzo Ducale è stata un’enorme gratificazione.

AMM. A tuo avviso esiste una projection art (in cui includere oltre al mapping forme alternative di proiezione come la guerrilla projection art o il live drawing)? Ovvero quali possibilità in più dà a un artista, la proiezione piuttosto che uno schermo magari a OLED

LUCA AGNANI Io penso che le persone che si interessano al videomapping lo fanno per l’esigenza di “evadere” in qualche modo dal monitor, perlomeno  per me è stato così, e, quindi, avere la possibilità di proiettare e quindi dar vita a una qualsiasi superficie con la luce è davvero una bella sensazione.

AMM-Chi sono gli artisti del mapping che tu segui più da vicino?

LUCA AGNANI: Mi piace molto la creatività del collettivo Olandese Mr.Beam, trovo fantastico l’uso dei colori dei messicani AVA e adoro le metamorfosi che riescono a creare i ragazzi Ungheresi di Freelusion. Ci sono, inoltre, produzioni dalla Russia che sono davvero impressionanti.

AMM:A mio avviso siamo arrivati alla terza fase del mapping, che ha portato al mapping interattivo e quindi è sbarcato a teatro; tu ti cimenterai anche in questa forma di interaction design come fa Obermaier per esempio con il mapping?

LUCA AGNANI L’interattività è sicuramente è il futuro del videomapping e i lavori di Obermaier sono fantastici ma io penso che viviamo in un contesto differente.
Secondo me si crea una nuova fase quando c’è una saturazione e in Italia siamo diversi anni indietro rispetto a numerosi paesi europei, basta pensare che molte persone sono venute a conoscenza di questa tecnica qualche mese fa dopo aver visto in televisione le proiezioni sulla basilica di  San Pietro per l’apertura del Giubileo, mentre in Russia, in Olanda, in Francia, in Belgio, in Repubblica Ceca, in Germania, in Inghilterra organizzano da anni importanti festival delle luci. Se si cresce  in riferimento  a questa cultura è normale intraprendere nuovi percorsi. In Italia stiamo oggi vivendo gli inizi del videomapping classico: me lo dimostra lo sguardo stupito delle persone che assistono ad uno spettacolo. In ogni caso è sempre importante e divertente sperimentare possibili direzioni di questa disciplina, trovando nuovi linguaggi con cui lavorare.

LA PEDRERA: GRANADOS MOVEMENTS. Spettacolo interattivo di Xavi Bové 12 febbraio
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An unusual self-produced show Friday February 12, at 7pm and 8.30pm, specially designed for La Pedrera and directed by Xavi Bové, in which pieces by Enric Granados are visually represented by analysing the sound of the instruments played live and the movements of the conductor. A show on the façade of La Pedrera harmoniously linking light, music and architecture. It is also tribute to the great Catalan composer Enric Granados in the context of the celebrations for the centenary of his death. The spectacle is a participatory interactive experience too, as, after each show, the audience can take the conductor’s place and make La Pedrera “move” with the interaction of the movements of their bodies and the light projected on the façade.

An amazing, innovative interactive and artistic experience using technology that also plays with the physical textures of Gaudí’s architecture. In this way, for the second year running, Catalunya-La Pedrera Foundation is joining in with the LLUM BCN Festival, a circuit of light installations bringing together tradition, art and technology taking place during the festival of Saint Eulalia. The show is being organised with a view to putting an artistic event that makes the most of the heritage Barcelona has from Gaudí back on the city’s calendar of cultural activities. This ground-breaking show is in line of the foundation’s projects to promote creative research and support musical talent.

CASA MILÀ “LA PEDRERA”

Passeig de Gràcia, 92. 08008, Barcelona.

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XAVI BOVÉ Artistic director

Xavi Bové, Lleida, 1978. With a technical education as a telecommunications engineer he very soon made the leap to artistic expression, always seeking to build bridges between artistic disciplines, largely visual and musical ones. In the process he has directed many live opera performances, concerts and recitals at the Gran Teatre del Liceu in Barcelona; artistically directed stage shows music groups (pop, rock and electronica); created advertisements, videos and pieces of video art and directed showings live projections for musical events on unconventional surfaces, such as trees, light aircraft, cars, balloons, etc.

He is artistic director of FIMG, the Girona International Mapping Festival. Besides this, he is constantly researching the relationship between emotions and mathematics, as well as stimuli and the senses: the well-known synesthetic effect.

His projects have brought him a long list of prizes and awards, like best international DVD of the year for the opera Le Grand Macabre, presented by the French critics. He has recently been awarded second prize at the Girona International Mapping Festival for his work “El cicle de la vida” (The life cycle) of music and images in real time.

www.xavibove.com

 

Credits:

Project:  Fundació Catalunya-La Pedrera
Artistic director: Xavi Bové
Violin: Joel Bardolet
Cello: Oriol Prat
Piano: Carles Marigó
Musical director: Raúl Patiño
Visuals production:  Playmodes
Technical manager: Eloi Maduell
Application architecture: Miquel A. Soler
Visuals: Nacho Cossío
Movement: Eduard Frigola
Audio analysis: Eduard Frigola, Miquel A. Soler
Sound design: Santi Vilanova
Graphics: Gerard Vallverdú
2D models: Marta Barnolas
Technical team: BLOCK

Acknowledgements:

ESMUC and ICUB

3D mapping show, HIPA CEREMONY AWARDS 2015- DUBAÏ
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Auditoire Dubaï contacted Nathanaëlle Picot to write with Audrey Baldacci a 4 acts show of mapping with dancers interactivity.

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The story is about photography.

The first act plunged the audience into the journey of a photographer. Through his eyes, the guests live his passion and follow him through his journey to capture the perfect photograph : his preparation, his quest to find the right subject, the way he composes the image and fix it.
The second act is about Black and White.

It immerses the audience into a graphical & contrasted vision of life in black & white. The performer and his shadow fight to impose their vision of life in black or in white in a modern, dynamic & powerful ballet. Only to realise that a good B&W picture is made of an infinity of greys. From their union grows a tree of life.
The third act is Night Photography. It is built on the use of 4 graphical univers enabling us to magnify the difficult art of capturing light, which is the essence of Night Photography : city, water, fire and cosmos.
The last act is about Life.

This final act is a spectacular artistic performance in which 3 characters, representing the 3 primary colours, unit their strength to revive a white chrysalides having lost her colours and joie de vivre. Every attempt of the 3 colourful characters to bring the chrysalis back to life, results in an explosion of colour pigments revealing the finalist photographs.
  • HIPA CEREMONY AWARDS 2015- DUBAÏ
  • Conception of a 3D Mapping for HIPA Ceremony Awards, Dubaï
    Production Company : AUDITOIRE DUBAÏ
    Antoine Croise
    Jean-Baptiste Cabrera
    Audrey Baldacci
    Light designer : Bruno Corsini
    Choreographer : Compagnie Hybride-Lionel Hun
    Pixel n’Pepper :
    Nathanaëlle Picot / Film Director-Show Director
    Loïc Masson / Sound Design
    Cyril Delapeyre / 3D Graphist
    Thierry Masson / 3D Graphist
    Benjamin Le Talour / 3D Graphist
    Eric Gaudet-Traffy / 3D Graphist

Interview to Konic thtr about their videomapping creation in Alghero, Torre della Maddalena
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A New Videomapping Creation by KONIC THTR (ES)

“Torre dei Sogni” is a visual poem to be screened on the Forte della Maddalena’ (Garibaldi Tower), one of the most beautiful and important architectural monument of Alghero. A small tribute to the dreams that take us back to the Neolithic world, goddesses and warriors, costumes andmamuthones‘ masked faces. And that commemorates the essence of the rich and complex Sardinian culture. It is part of the EU project IAM; Koniclab is a thatrical and multimedia company founded by Alain Baumann and Rosa Sanchez. 

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AMM. About which subjects, topics did you work for the videomapping in Alghero in the frame of IAM project?

KONIC thtr: The piece was prepared for Torre della Maddalena also called Garibaldi  Tower, an architectural landmark of Alghero in Sardinia. Alghero is a fortified city on the seaside, protected by walls erected during the sixteenth century. The tower is a circular bastion that is part of the walled fortification surrounding the city, and is located on what used to be the Customs dock in the harbour. It is a tower for defense and security, facing the sea, and it was built with the purpose to protect from the extraneous and  foreign. Therefore we conceptualize the building as a catalyst or osmotic filter displaying Sardinian cultural references.

We were interested in showing Alghero as part of a culture of cultures on the island of Sardinia. For this purpose, we extracted and synthesized some key eras, which we considered as important and this gave the structure to our projected audiovisual work. In the script there is a narrative journey through time, allowing us to establish a relationship of continuity in some cultural key  elements in which the Sardinian audience can (hopefully) recognize themselves. Here I explain briefly why I chose those elements and how I interpreted them. The most relevant elements of the script structure are: the prehistory, the Sardinian Carnival, the traditional clothing, the sea and coral.

The Sardinian prehistory is an important period and some elements and symbols of that time have persisted and are still present nowadays, with their evolution through time. In the Prehistory section, we reference the pre-Nuragic culture of stone, the Neolithic burial sites carved into the rock and the characters who have remained in the Sardinian popular tradition in the form of legends. The domus de Janas with red ocher paintings and engravings, and small Janas figures and mother goddesses, associated to the funerary context.

From the Nuragic civilization of the Bronze Age, we kept the characteristic nuraghe towers, built out of large stones and applying the principle of false dome, as its shape is closelly related to the one of the tower. The Nuragic culture also produced the enigmatic sculptures of giant stone warriors and the votive elements in form of small bronze warrior figurines.Warriors and navigators, with an agropastoral economic system, we can establish relationships and bridges from these ancient cultures to the Sardinian carnival characters, also shown as shepherds and farmers.

In the video, after the Nuragic warriors we present the Rite of Sardinian Carnival. Some authors establish the origins of Carnival of Mamoiada in prehistory. This Carnival is one of the most famous events of folklore of Sardinia. It is also known as “ Mamuthones Dance ” and its transmuted and powerful characters are the Mamuthones and Issohadores, carrying for their dances archaic black masks and whose dress consists of black sheepskin and thirty kilos of bronze cowbells. The ritual is not a festive one, but rather gloomy, based on the idea of death and rebirth, a rite of celebration of Dionysus, Greek god of vegetation and ecstasy, who dies and is reborn each year in the natural cycle of eternal recurrence. With the death of the God, for a while also does the fertility of the land die. Carnival masks and ancestral dances take us to another representative element of Sardinian culture, which are traditional costumes. Also from the origin of the agro-pastoral tradition, the rich and varied shapes, colors and embroidery serve as identity element, differing in each town it will show the group or community one belongs to. We end the projection with a reference to the sea as the tower looks to the west and to the sea, and for centuries the rays of the sunset have reflected the sea onto its walls. And the Coral as a distinctive feature of the island, an important part of the Sardinian economy and whose red color connects with the ocher of the pre – nuragic paintings

AMM.: Sardina is the land of the ancient masks, Mammuthones with an antropologic (and theatrical) value. Could you define videomapping a sort of modern mask  having something to do with mutability, metamorphosis in that arcais sense?

KONIC thtr: I agree with you. The tower is understood as a skin, a fragile membrane that separates and unites life and death. And the mask do fulfill very well this role of an element that can achieve the mutability, transformation and metamorphosis. The mask, the other side, the other identity or representation, has been used since the Paleolithic by most human groups across time. The mask disguises, hides and / or reveals the identity of who wears it. We have worked with the personification of the tower, the building, humanizing it by giving it a human shape. It is body and it is also character. It becomes the main, mutable character of the audiovisual show which is being staged. The tower, the building itself, becomes the bearer of the mask. The rationale behind a mask is that it will be inhabited by spirits or by others, that is, the identity in the user of that mask will change. When in use, there is a loss of their previous personality as the new one is acquired. When the magic or religious ceremony becomes theater, the mask allows the actor to go beyond their humanity and become a mythical character, leaving aside completely his/her own personality. A key role in the mask is to give a sense of continuity, of unity between the present and the beginning of time.

Videomapping allows us to make these qualitative transformations through image and sound, almost instantly, offering cultural references that the audience can identify. In this sense, the videomapping event takes a role of mediation comparable to the role of the mask in theater and in the rituals, a mediation that is done for, and with, the audience.

AMM.: Your videomappings have always an iconographic force and great visual impact; do you think that the media narration in videmapping has a restrictive format, rules, grammatic to which one needs to obey?

KONIC thtr: Yes, you could say that it has a restrictive format, partly due to the aesthetic criteria of those leading this expressions and artistic interventions. There are certain trends that show videomapping as what I could define behavioral or linear, understanding architectural videomapping as a display of effects produced with and upon the image and structure of the facade. This criteria, based on mimicry, from my point of view has a restrictive approach and library of available effects, and tends to deplete the poetic of the interventions by playing with an aesthetic model based on visual effects and sound that the public recognizes and is waiting for. From my point of view, and this is how I apply it, the architectural mapping has to understand the building onto which it intervenes, not only as a facade around the building but also as the context into which it is located, its history; bearing in mind that we are working with heritage buildings or sites. And what do videomappings provide to these iconic buildings with a great symbolic meaning for the citizens of that city, who know them and consider them as something relevant to their culture?What can we bring with a visual intervention on their surfaces? There is still much work to do, luckily, still a lot to be explored and understood, and the rapid evolution of the technologies involved can also to help us find new solutions and criteria for the artistic intervention in public spaces.

 AMM.: Which are your next digital works?

KONIC thtr: We are currently working on a small scale stage project called Hypernatural in which  we use micromappings on stage to bring the set to life. Hypernatural is a site specific creation for dance, music and moving image. A show that explores our relationship with what we understand as nature through our links with color, light and objects. The interactive mapped images, the light and the sounds will be the support with which we will narrate our relationship between ourself, architecture and landscapes.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Videomapping SIM/Nebula by MACULA for Czech Philarmonic
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The project SIM/NEBULA is a 45 minutes of expressively futuristic visual poem, shaping the emergence of cybernetic organism counting down its time code in live acoustic waves of classical music conducted by Jiri Belohlavek and Czech philharmonic orchestra. The story made of seven sections/themes, set against the background of the visual show, which uses technological and creative attributes of projectionmapping, VFX and motion graphics. Project was commissioned by Ceska sporitelna to celebrate 190 years of their existence and the new partnership with the Czech philharmonic.

CONCEPT
Amar Mulabegović / The Macula

PRODUCER
Martin Pošta / SIGNAL Festival

VISUAL ARTISTS
Amar Mulabegović, Can Büyükberber, Osman Koç, Federico Eero Pelat Supranutz, Deniz Kader & Candas Sisman from Nohlab, Simon Jones from SR partners, Istvan Chaotic Atmospheres, Jan ‘Slejdy’ Sládečko, Jan Šíma, Petr Foltera, Jakub Zuščín

MUSIC PERFORMED
Conductor Jiří Bělohlávek and Czech philharmonic orchestra

PRODUCTION TEAM
Petr Hozman, Roman Dušek, Cyril Hořánek, Lucia Horňáková, Roman Edr, Nikola Lörinczová

CLIENT
Česka spořitelna

VIDEO AND EDIT
Michal Ureš and Johana Střížková

 

The Macula project explores the relationship between image, sound and viewer. It fights the established limits and pushes the boundaries in search of alternative approaches. A suggestive play of light on a physical object creates a new dimension and changes the perception of a seemingly ordinary object. The goal is to achieve perfect symbiosis and satisfy audio-visual nihilism.

Everything becomes an illusion.

themacula.com

External Links

Intervista al gruppo Sullaluna, vincitore del bando IAM per il videomapping ad Alghero
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Si presentano sulla home del loro sito con il casco da astronauti ma hanno i piedi ben piantati sulla terra; certo la tecnologia che usano non sarà forse quella della NASA ma gli effetti speciali fanno davvero per loro. Il team SullaLuna nato nel 2012 si è specializzato in Videomapping, MotionGraphics e Corporate Video e curano l’immagine di molti brand importanti, creano promotional per campagne pubblicitarie nazionali, virtual set per eventi speciali. Sono siciliani e giovanissimi; noi li abbiamo scovati grazie al progetto europeo IAM che ha selezionato il loro progetto come vincitore del bando internazionale e li abbiamo visti in azione ad Alghero a settembre, epicentro di una serie di iniziative festivaliere e manifestazioni collegate con le tecnologie applicate all’arte, ai beni culturali e finalizzate al turismo.

Ecco l’intervista:

AMM Raccontate qualcosa della vostra formazione e delle esperienze nel campo delle tecnologie, più significative?

SULLALUNA. Il collettivo Sullaluna nasce all’interno di un incubatore d’impresa. Fin dal loro primo incontro Nicola Vitale e Alessandro Venuto sono spinti dalla voglia di creare e dare espressione alla visione del mondo che hanno dentro di loro. Hanno affrontato esperienze e studi differenti, ma hanno in comune la medesima passione: quella di voler raccontare storie  e di farlo attraverso le immagini.

Il Video mapping gli fornisce la possibilità di farlo attraverso proiezioni sugli edifici. Nasce così Sullaluna, collettivo che si propone di osservare la realtà da un punto di vista differente che non tralasci nessun dettaglio della storia da descrivere in modo da poter assumere una prospettiva diversa e innovativa, ricercare una visione fuori dall’ordinario che si faccia sempre portatrice di un nuovo significato. La naturale evoluzione di questo percorso ci ha condotti e ci ha aperto al panorama della comunicazione video, terreno ideale per esprimere il nostro equipaggiamento di originalità, fantasia e avanguardia nelle nuove tecniche visuali. I componenti del nostro gruppo possiedono specializzazioni diverse che cerchiamo di far convergere nella realizzazione di un progetto. Il fondatore, nonché Art Director e Motion Designer, Nicola Vitale, è laureando in Architettura; il co-fondatore, Stefano Finocchiaro, è un Ingegnere Elettronico nonché referente per la parte commerciale. Alessandro Venuto anche lui Art Director e Motion Designer si è diplomato all’Accademia del Cinema, mentre Sebastiano La Monaca si è laureato in Grafica Pubblicitaria. Entrambi affrontano la parte grafica, delle illustrazioni e delle animazioni. Alessandro Scuto è laureato in Giornalismo e Pubbliche Relazioni e si occupa, tra le varie cose, della stesura dei testi dei video oltre che della parte marketing.

Il Collettivo Sullaluna nato nel 2012, oggi, è anche azienda e nei vari progetti che ha affrontato in questi anni si è avvalso ed ha arricchito i suoi lavori grazie a collaborazioni con altri gruppi, artisti e parternship. I musicisti Carmelo Venuto e Doris Di Nicola si sono occupati in più occasioni del Sound Design sia per eventi di videomapping che per spot pubblicitari e video. Claudio Grasso, Architetto e Motion Designer, ha accompagnato la realizzazione di molti dei nostri lavori. Recentemente, in occasione del grande Spettacolo tenuto a Menfi in occasione della Festa di Inycon, abbiamo iniziato una collaborazione con Francesco Bondì, laureato in scenografia e di professione regista, con cui abbiamo realizzato anche il Videomapping di Alghero. Nella realizzazione degli ultimi lavori, è stata sviluppata la giusta connessione tra la parte narrativa acquisita ed esposta nei video in motion graphic e la spettacolarità della forma espressiva del Videomapping, il suo grande impatto e il coinvolgimento all’interno della rappresentazione che provoca sul pubblico. Cercheremo di mettere in atto questi aspetti provando a raccontare la storia di un luogo o di una città attraverso un edificio, realizzando un vero e proprio cortometraggio da proiettare sull’edificio più caratterizzante della città. Unire storia e sviluppo della narrazione, luoghi simbolo della città ed emozioni che suscitano nel cittadino, servendoci e provando ad inserire all’interno del Mapping  anche altre arti performative in modo da provocare il coinvolgimento totale dello spettatore.

AMM Come si è svolto il videomapping ad Alghero, quali i temi e le tecniche che avete privilegiato?

SULLALUNA Il videomapping che abbiamo presentato al Festival di Alghero , è il risultato di un nuovo progetto di sperimentazione. Considerato che si trattava, per l’appunto di un Festival e comportava, di conseguenza, l’incontro e il confronto con altre realtà che si occupano della stessa forma d’espressione, il nostro obiettivo era quello di sorprendere attraverso la sperimentazione di un nuovo modello. Quello del videomapping è un linguaggio giovane e in via di sviluppo, che offre sempre la possibilità di nuove creazioni  per coloro i quali abbiano la voglia di andare  oltre le tecniche già utilizzate e sperimentare nuovi effetti.

Nel nostro caso la tecnica utilizzata, è stata quella dello stop motion, che comporta l’utilizzo di una sequenza di immagini statiche a cui viene impresso il movimento, con il fine di creare un notevole effetto di dinamicità. La scelta stilistica, per questo video, ha comportato una netta riduzione dell’animazione digitale, in favore dell’ analogico e della creazione manuale di tutte le scene all’interno della proiezione. Scelta che evidenzia e sottolinea un intento ben preciso:  esprimere con forza la storia di Alghero e il suo legame indissolubile con gli elementi della Natura. In tal senso la composizione della carta simboleggia la Storia; l’aggiunta del colore indica il  carattere dominante del mare, la costruzione dell’argilla manifesta le varie stratificazioni storiche, con particolare riferimento a quella spagnola.

Eccone una rapida sinossi: l’antica e gloriosa storia della città di Alghero, la sua cultura e le sue tradizioni, si giustificano soltanto se immerse nella realtà e negli abissi del Mediterraneo, che fanno da cornice all’evoluzione di Aleguerium sino ai giorni nostri.

La città ad un primo sguardo sembra chiudersi tra mura spagnole, il simbolo del grande legame tra Alghero ed i suoi antichi dominatori, che ne influenzarono profondamente usi e costumi. Ad un’osservazione più attenta, invece, si rivela una profonda ed intima vocazione per il mare e per i suoi fondali, con le sue meraviglie ed i suoi colori indimenticabili.

Alghero appare in questo nostro progetto per il mapping destinato al Largo Lo Quarter, come una città che si avvicina al cielo attraverso le pietre delle sue torri, ma che, al tempo stesso, si connette alla Terra attraverso radici di coralli rossi. Ne risulta, in tal modo, una vera esperienza totalizzante che lega Alghero al suo mare, agli eventi storici che l’hanno attraversata, alla conformazione tipica del suo territorio che gli effetti creati manualmente vogliono rendere in tutta la sua naturalità, quasi fino a fargli prendere vita all’interno della proiezione.

AMM Da dove partite per l’ispirazione ai vostri lavori, quali sono le narrazioni che vi immaginate in questa forma di visual storytelling?

SULLALUNA. La passione e la voglia di raccontare storie è sempre stato il filo conduttore nella realizzazione dei nostri lavori. Abbiamo cominciato la nostra attività, prevalentemente, come “specialisti” del videomapping; in seguito, abbiamo sviluppato e ci siamo dedicati anche alla realizzazione di video in motion graphic. Il passaggio è avvenuto in modo naturale, ciò che cambia principalmente è il cliente finale, le sue esigenze e il destinatario a cui si rivolge. Questa categoria di video è particolarmente richiesta dalle aziende per promozione sui propri canali social, per il lancio di nuovi prodotti o in occasione di meeting ed eventi aziendali. La loro  caratteristica principale consiste nella forza delle immagini e nella semplicità che, unita alla chiarezza espositiva, permette una trasmissione rapida ed efficace del messaggio . Ci occupiamo di tutto il processo lavorativo, dal concept creativo alla stesura dello storyboard, delle illustrazioni, per concludere con Animazioni Voice over e Musica.

Interview to Xavi Bové, artistic director of FIMG, International Mapping Festival in Girona
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My interview in Girona to the musician, engeneer and artistic director Xavi Bové. Xavi Bové’s career has been focused on the relationship between visual and musical disciplines, specialized in live events.

Born in Lleida (Spain) in 1978, he is an image and sound engineer, and widened his studies with a video direction postgraduate and a master on digital audiovisual creation. Along his seven years as an OPERA VIDEO DIRECTOR of more than 30 titles in Gran Teatre del Liceu Opera House in Barcelona, he has been exploring different ways to show the opera drama in audiovisual language, giving the audience the chance to enjoy opera in a cinematographic way, and acquiring big international opera panorama knowledge. He has directed live broadcastings for TV, Internet and Cinemas worldwide in High Definition, and also the first 3D opera live broadcasting in Spain. Several titles are available on DVD worldwide under high quality labels such as Virgin Classics, DECCA, Arthaus-Musik, C-Major, Opus Arte, Unitel, TDK and Euroarts.

Xavi has directed VIDEO MAPPING projects, applied over different kind of surfaces, such as buildings, trees, planes, balloons or bodies, and is the ARTISTIC DIRECTOR of FIMG, International Mapping Festival in Girona (www.fimg.cat).

He has been commissioned for creating ARTISTIC CORPORATE and ADVERTISING CLIPS combining the needs of companies with a sensitive approach.

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He has been art director for live concerts creating LIVE VISUALS and combining stage design, video-creation and mapping techniques, for bands such as Fon Roman, Guillamino and dÉbruit, and for festivals such as Connexions and DeProp.

Xavi Bové is responsible of the visual area on ENVOLVENT, an events promoter and communication/booking agency specialized in electronic music and visual arts, with a weekly radio program (www.envolvent.com). And is also co-founder of FAVOLA IN MVSICA, which aims to give high-quality solutions both for live broadcasting and creative video recording and post-production, mainly focused on classical music.

For MUSIC FESTIVALS he has been the director of live broadcasting and live internet streaming for SONAR Festival and Summercase Music Festival. He has directed MUSIC VIDEOS for electronic and pop bands, (Undo, Maurice Aymard, Gui Boratto, The Moustaches,…) and was the cinematographer for a music video for the Berlin Fashion Week. He has also directed live music concerts recordings for DVDs, such as for the rock musicians Bunbury & Vegas. He also plays tunes as aMUSIC SELECTOR for special events under the name of HERR BOVE offering Vintage and Electronic Sets.

Cycle of Life”,  Prize for innovation, International Videomapping Festival in Girona (FIMG). Selected at V International Congress Synesthesia, Science & Art 2015. Interactive Videmapping from live performed classical music.

In CINEMA, Xavi Bové has directed documentaries about music such as “Music of Shapes” about new musical theories by Raúl Quílez; he has been the second unit director of the documentary film “Llach, la revolta permanent” by Lluis Danés about the life of a Catalan singer; he directed the recording of “Tranuites”, a visual theatre and circus project; and he also directed more than 10 shortfilms, including the film festivals selected “Eine Neue Nachricht” (fiction), “Requiem für eine Tanne” (video creation),  “Mala Sombra” (fiction) and “Viure al mar” (documentary). He worked as art director on “Final”.

He TEACHES seminaries and master’s classes about relations between music and image, for institutions such as La Salle University and EMAV audiovisual school in Barcelona. He also worked for three years as a workshops and films curator for the REC Film Festival (Tarragona). Xavi has lived and worked in Barcelona, London and Berlin and nowadays is based in Girona (Spain).

Currently he is working on different projects that bridge these art disciplines, combining his experience and knowledge and playing with the experimentation of languages, formats and interactivity.

In the interview he speaks about CYCLE of LIFE, his interactive videomapping Prize for innovation, Girona Festival. Selected at V International Congress Synesthesia, Science & Art 2015. Interactive Videmapping from live performed classical music.

Videomapping “Torre dei sogni” by KONIC THTR for IAM project, Alghero
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“TORRE DEI SOGNI“ by KONIC THTR  is a visual poem to be screened on the ‘ Magdalen Tower’,  also known as Garibaldi Tower, an important architectural monument part of the wall surrounding the city of Alghero. It was part of IAM project

It is a tribute to the dreams that will take us to the Neolithic stone world, their goddesses and warriors, theirmasked faces of the ‘mamuthonesor the delicate variety of costumes with which the Sardinian people love adorn themselves.

The tower hides within the memory of this city and the essence of the culture to which he belongs, which has traces back through time, throughout the centuries and the various peoples who inhabited it. The images and music of Torre dei Sogni are inspired by the rich and complex Sardinian culture.

https://www.youtube.com/watch?v=z3JHoMG05rM&feature=youtu.be