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The III VENICE INTERNATIONAL PERFORMANCE ART WEEK will take place at European Cultural Centre | Palazzo Mora and Palazzo Michiel in Venice, December 10-17, 2016 under the focus Fragile Body – Material Body. It concludes the trilogy project following the first two editions Hybrid Body – Poetic Body and Ritual Body – Political Body that took place in December 2012 (Palazzo Bembo), and in December 2014 (Palazzo Mora and Palazzo Michiel).

The live art exhibition project dedicated to contemporary performance art showcases in its third edition works of over 80 international performance artists from around the globe, some of which are presented in cooperation with prestigious cultural institutions and foundations. Pioneers of this art discipline exhibit and perform alongside established and emerging artists, reflecting influences and current tendencies in the field.

The project consists of an exhibition of performance installations, photographic and video documentation as well as vibrant program of live performances, talks, screenings and meetings with the participating artists, researchers and curators.

For this third edition with the focus Fragile Body – Material Body, the works present physical, mental and spiritual bodies as primary material of artistic expression, aiming to investigate a wide range of concepts pertinent to the art forms of performance art, Live art and Body Art, such as: authenticity, living entities and their relations towards one another; fragility and vulnerability of the individual and of the social relationships; mental and spiritual states rendered through liminal physical and corporeal manifestation; as well as encouraging questions around the post-organic transformations and mutations to which we subject the human body.

The presence of human beings in this world is always more than a temporary condition: the communication that can be triggered between artists and the audience is an essential element. The topics addressed during the week will relate to the need to look at social relations and the lives of individuals with greater care.

Due to the specificity of this edition’s theme Fragile Body – Material Body, the live performances and works on display will also seek to provide reflection and further considerations on how to find meaningful mechanisms to foster positive change through contemporary culture and art in a vital way.

The ART WEEK BLOG will be updated daily during the week with reflections, features and interviews by our residence writers.






















































The word “fragile” is often associated with the locution “handle with care”: this is precisely where the III VENICE INTERNATIONAL PERFORMANCE ART WEEK heads, this time around, raising awareness on the precariousness of life through performance art. It is a call to action – to practice a more mindful, careful and respectful behaviour towards the Other, in the words we say, thoughts we think, and things we do. Toying with the paradox of the strength and fragility of our physical bodies, the first requirement here is to step beyond mere appearances and limitations.

Fragility does not only imply negative connotations – it is rather a continuous memento mori for its existence in thoughts, convictions, systems, beliefs, and a reminder to live with full awareness of the complex ephemerality of our times, taking care of all that surrounds us, near and far.

Through the physical body (the primary medium of the practice of performance art), human relationships and their inherent frailty are considered. With frailty comes the potential for destruction and with destruction comes the potential for growth: of the individual, social, political, spiritual and ethical systems.

Proposing de-construction as a necessary tool for development, the word “care” implies real engagement in dealing with an emergency, or to possibly evaluate a given situation from all sides, therefore also reflecting on its potentials and value. Eventually, depending on the conclusions of these evaluations, to “handle with care” can either mean to protect that which is fragile or to courageously engage in transformation, to the point that the only way “to deal with a world so evidently and increasingly unfree, it is to become so absolutely free that our very existence is an act of rebellion… for rebellion cannot exist without a strange form of love.” (Albert Camus)





The Thesaurus defines the term “material” as an alternative adjective for the body of a human being, and many historical references in literature indicate the material body as the door to reach the spiritual body, that which has to be transcended in one way or another to reach our spiritual matter.

Reflecting upon the perception of our material bodies to understand and eventually reinforce the spiritual one, is a central question in Oriental religions as well as in the Holy Thursday, when in the garden of Gethsemane, finding his disciples in sleep, Jesus rouses them and warns them by saying: “The spirit indeed is willing, but the flesh is weak.” (Matthew 26:41).

Regardless of the Christian connotation, this sentence is relevant because it states that if the flesh is weak (pars constituent of our material body, which is fragile and destined unavoidably to caducity), the spirit is “willing” (in Greek πρόθυμον = prothemon), desirous to do what is right – that ‘right’ that we feel, perceive, is also necessary for an ethical formation, as Kant argued in The Critique of Practical Reason (1788).

Influential philosophical investigations (by Aristotle, Hegel, Jung, Watts, to cite a few) that have inquired into the nature of being focusing on the phenomenology of the spirit, up to the latest holistic perspectives and neuroscience researches, seem to agree on the fact that the parts of something are intimately interconnected and explicable only by reference to the whole, and that it is our material body that tells us (of the need) to nurture our spirit and tune in to its true desires.

In other words, it is like saying that if the spirit tends towards that which is good, true, complete, beautiful, and attainable because of our material body, the continuous metamorphoses that the material body undergoes throughout life (because of its inevitable organic decay, which still lasts long after death), might be even interpreted as evidence of a transcendence from all that is material, and proof of the life-giving shape of the being (itself).

All this can be certainly refutable. Every proposition has its Achilles’ heel because “all the propositions say the same thing, to wit nothing” (Ludwig Wittgenstein): the language only comes up to where it can get for “the limits of our language mean the limits of our world.” (LW)

What does it mean for a being to be? What is existence? What can be said to exist?

Everything we see could also be otherwise. Everything we can describe at all, could also be otherwise. Perhaps we humans are just a cosmic accident with a very short life span and the world we live in is “all that is the case. This is how things stand.” (LW)




Perhaps to act and give essence to what cannot be said, accepting, taking, contrasting, enduring, forsaking, forgiving, passing over or through – with dignified silence – what we cannot speak about but we’re aware of, and with it all that is elusive and illusory.

Artists, everyday people – because it makes no difference and there is no diversity – we appear just for what we actually are.

We all mirror each other carrying within us our own ideals, ideas, sufferings, loves, fears, dreams, sensualities and ironies as pure treasures to express and share, shaping together a time-based social sculpture: a creative temporary community which reflects freedom and respects it.

Perhaps to celebrate life.



TITANIA la pellicola della pellicola della pellicola. Un lavoro inedito di Giuseppe Baresi, 8 giugno ore 19

la pellicola della pellicola della pellicola

un lavoro inedito di Giuseppe Baresi

8 giugno
ore 19:00

c/o Fabbrica del Vapore

8_19 giugno 2016

Mercoledì 8 giugno lo spazio Area Ricerca Progressiva invita il pubblico all’inaugurazione di TITANIA, esito della ricerca più recente di Giuseppe Baresi.

TITANIA _ la pellicola della pellicola della pellicola
Installazione con 3 carousel 4x4cm, 2 carousel 35 mm, 1 videoproiettore

TITANIA è un lavoro inedito di Giuseppe Baresi, che attinge ad un archivio personale di circa 400 code di film s8, conservate per decine di anni in una scatola di metallo.

«Volevo ingrandire questi minuscoli residui di pellicola per dare un’esistenza a dei frammenti spesso anonimi, entrati in modo casuale fra i miei materiali, ma anche a miei fotogrammi estrapolati in modo arbitrario dal laboratorio.
Infatti, ogni volta che ricevevo i miei film sviluppati dal laboratorio per lo sviluppo delle pellicole impressionate, ero colpito dalla presenza nelle buste gialle Kodachrome di una coda contenente a un’estremità tre-quattro fotogrammi e un numero stampato a caldo al centro (tipo: <^C7439, <^X3663,<^F4790), mentre all’altra estremità c’erano sempre altri due fotogrammi, spesso “misteriosi” perché appartenenti a un’altra bobina, a volte mia e altre volte non mia, ma girata da un’altra persona in un luogo non identificato del mondo.
Ho cercato una tecnica che permettesse da un lato un forte ingrandimento di questi frammenti “trovati”, dall’altro una proiezione senza operare alcuna post-produzione o “digitalizzazione”.
Questi frammenti spesso presentano buchi, oppure fotogrammi trasparenti e rigature che ho conservato e incluso nella proiezione.
Per gli ingrandimenti ho utilizzato una macchina fotografica Rolleiflex 6×6 del 1966, dotata di soffietto e lenti macro.
Fra le immagini che proietto, c’è anche una serie che non è composta da diapositive fotografiche, ma da elaborazioni dirette su acetato con interventi di colore, insieme a estratti frammentari da un testo intitolato Motion picture film processing.
Il ritrovamento fortunato di un numero sufficiente di telai 4×4 con vetrini, di marca “Titania”, ha reso possibili le diverse composizioni.
TITANIA è un lavoro che restituisce tempo e luce a fotogrammi “orfani” che non hanno trovato posto in nessuna bobina, ancor prima di un eventuale montaggio o di una possibile collocazione di tipo archivistico.
Soprattutto, è una composizione ottenuta con tecniche che richiedono necessariamente una lavorazione manuale, assolutamente pre-digitale e fortemente legata al medium cine-fotografico.»
Giuseppe Baresi, maggio 2016

In concomitanza con la mostra inaugurata a Palazzo Reale il 9 aprile, Studio Azzurro apre i suoi spazi al pubblico, mettendo a disposizione un’area espositiva nello spazio adiacente alla sua sede, presso la Fabbrica del Vapore. Area Ricerca Progressiva – ARP offre al pubblico una selezione di opere di artisti che si sono formati e hanno a lungo collaborato con Studio Azzurro. Si susseguiranno istallazioni, documentari, film e performance per una prima programmazione che si concluderà a settembre.

Caravaggio Experience, Palazzo delle Esposizioni

 Imponente video installazione originale e inedita, Caravaggio Experience ripercorre l’opera di Michelangelo Merisi da Caravaggio utilizzando un approccio contemporaneo all’opera d’arte. L’uso di un sofisticato sistema di multi-proiezione a grandissime dimensioni, combinato con musiche originali e fragranze olfattive, porta il visitatore a vivere un’esperienza unica sul piano sensoriale, attraverso una vera e propria “immersione” nell’arte del maestro del Seicento.L’obiettivo consiste nel dare la possibilità di osservare e conoscere in profondità l’opera di Caravaggio,  attraverso un flusso di emozioni frutto di un puro godimento sensoriale, contribuendo in tal senso ad avvicinare il pubblico, più e meno esperto, ai suoi lavori in modo assolutamente nuovo.CARAVAGGIO 06_ORIZZONTALE

Caravaggio Experience è una coproduzione Azienda Speciale Palexpo e Medialart, in collaborazione con Roma&Roma srl, realizzata dai video artisti di The Fake Factory , con la consulenza scientifica di Claudio Strinati. Usa il sistema di multiproiezione Infinity Dimensions Technology®. Le musiche originali sono di Stefano Saletti.


Gianluca Lerici (aka Prof.Bad Trip) è stato un grande talento artistico, morto prematuramente: una sensibilità visiva (e musicale) fuori dall’ordinario, un apripista assoluto, un fuoriclasse, un visionario, un idealista, ancora oggi un punto di riferimento per molti giovani artisti. Iniziò a muovere i primi passi all’interno dell’Accademia di Belle Arti di Carrara, per poi diventare artista indipendente che univa psichedelia e cyberpunk. Quadri, collages, copertine di dischi e di libri, stampe, fanzine, ma anche oggetti d’arredo: Bad Trip dipingeva e serigrafava qualunque cosa e di tutto questo è preziosa testimone e custode la compagna, Jena Filaccio, anche lei artista.

Difficile dissociare la letteratura di William Burroughs da chi lo illustrò con tanta profondità e onirico delirio, difficile non riconoscere a Gianluca Lerici il ruolo di padre fondatore di tanta street art e drawing live art di oggi, di tanta letteratura illustrata, graphic art, comic art. Innumerevoli sono gli omaggi, diretti e indiretti, alla sua arte anche da parte di artisti digitali, creatori di video e animazioni grafiche. Si moltiplicano i collezionisti delle sue opere, da Roma a Torino, mentre proprio La Spezia che ha dato i natali al grande artista, non conserva neanche un’opera originale del genio irriverente di Gianluca Lerici. Alcuni anni fa fu indetta una petizione da gruppi e associazioni culturali per intitolargli un piano del Museo CAMec della Spezia.

Gianluca Lerici sotto la "Cappella Sistina" del suo studio underground
Gianluca Lerici sotto la “Cappella Sistina” del suo studio underground


Prof. Bad Trip rimarrà per sempre tra i miti di fondazione dell’underground degli anni Ottanta, con quel suo tratto così riconoscibile, ma in quell’Olimpo è stato consacrato troppo tardi. Oggi, a dieci anni dalla sua morte e dopo alcune personali postume realizzate con amorevole cura dalla compagna Jena Filaccio, la Fondazione Cassa di Risparmio della Spezia fa un tributo al grande artista con una mostra, un concerto e un incontro pubblico con Vittore Baroni che esplorerà i dettagli dell’opera di Bad Trip. Pochi sanno, infatti, che la sua arte ha ispirato un altro grande compositore scomparso prematuramente, Fausto Romitelli.

Jena Filaccio davanti alle opere del Prof. Bad Trip
Jena Filaccio davanti alle opere del Prof. Bad Trip

A Tribute to Professor Bad Trip presso lo Spazio 32 di via Domenica Chiodo 32 (tel. 0187 772339). Inaugurazione 15 gennaio dalle ore 18. La mostra prosegue fino al 4 marzo 2016. 

Seguirà Giovedì 21 gennaio ore 18.00, La musica di Professor Bad Trip Incontro musicale con V. Santarcangelo, M. Manzitti, S. Guarnieri

Martedì 26 gennaio ore 21.00
Professor Bad Trip
Concerto omaggio a Gianluca Lerici
Eutopia Ensemble esegue le composizioni di Fausto Romitelli dedicate all’artista spezzino
Teatro Civico della Spezia

Venerdì 5 febbraio ore 18.00
Incontro con Vittore Baroni, sceneggiatore, critico musicale e amico di Gianluca Lerici

Venerdì 4 marzo ore 20.00
Finissage della mostra-DJ set con The Doodlebugs

Un parco giochi firmato Bansky ovvero l’altra Disneyland

Ci voleva un artista come BANSKY a sovvertire le regole dei terribili parchi giochi di cui Disneyland è l’emblema assoluto: e così a Weston-super-Mare, una spiaggia non di grande attrattiva dell’Inghilterra, nasce Dismaland, luogo di divertimento artistico che trasforma il castello del logo disneyano in una location degna di un film horror. Inaugurato il 22 agosto durerà solo 5 settimane e consiste in vari padiglioni d’arte con esposizioni di artisti provenienti dall’Iran, da Israele, dall’Inghilterra, dall’Egitto, dall’Australia, dagli Stati Uniti. Nessun italiano, peccato.  Ma sono previsti concerti (con i Massive Attack) dj session, e dentro i tendoni da circo teatro da marionette e cinema. Ovviamente tutti sotto il segno dell’hacking, della guerrilla art e della street art.

Tre sterline l’ingresso per entrare all’anti-parco, il tetra park, e vedere installazioni di grandi artisti che cambiano il segno alla favola, con sirenette deformate e cenerentole moderne, novelle principesse Diana, reduci da incidenti stradali e colpite da flash di fotografi d’assalto.  o-DISMALAND-570

Gary Hill, Depth Charge, Opening February 26, Galleria Lia Rumma (Mi)

La Galleria Lia Rumma via Stilicome 19 Milano ospita dal 26 febbraio alle 19 la terza personale italiana di Gary Hill, dal titolo Depth Charge. Dopo le personali del 1996 e del 1999, presentate rispettivamente a Napoli e a Milano, nella prima sede di Via Solferino, l’artista californiano esporrà sui tre piani della galleria due lavori recenti: Klein Bottle, Pacifier e  quattro lavori storici: Depth Charge, Isolation Tank, Learning Curve and Sine Wave.

Noto per l’utilizzo del video “come la forma di espressione più vicina al pensiero”, Gary Hill (Santa Monica, California, 1951), incentra la sua ricerca sulle relazioni tra codice verbale e immagini elettroniche e digitali.
Il suo lavoro indaga infatti le modalità di percezione, la diversità dei linguaggi (parlato, scritto e gestuale) e le dinamiche scaturite dalla combinazione di elementi visivi e sonori generati elettronicamente.
Dalla metà degli Anni ’70 realizza video e video-installazioni, complesse e spesso scenografiche, in grado di coinvolgere attivamente lo spettatore.
I sei lavori, intorno ai quali Hill ha costruito la sua terza personale da Lia Rumma, sono chiaramente esplicativi della sua rigorosa ricerca artistica e della varietà dei processi di elaborazione.
In Depth Charge (2009-2012), che dà anche il titolo alla mostra, Gary Hill combina due precedenti opere: la proiezione è infatti un riferimento a Varèse 360, in cui la composizione, Un Grand Sommeil Noir (1906) di Edgard Varèse, è interpretata dal musicista/compositore Bill Frisell alla chitarra elettrica, mentre i cinque monitor a terra ripropongono l’opera The Psychedelic Gedankenexperiment, nella quale l’artista indaga le alterazioni psichiche dovute all’assunzione di dietilamide dell’acido lisergico (LSD).
La presenza stessa dell’artista e della sua voce, frequente nel suo lavoro, crea uno stato di sospensione e invita il visitatore a un ascolto e a una visione attenta dell’opera, come accade in Sine Wave (2011) e in Isolation Tank (2010-2011), dove un video interamente creato dal computer e il suono generato da un sintetizzatore danno vita a un’opera di forte impatto.
Learning Curve (1993) è invece un omaggio al surf e alla relazione conoscitiva tra prassi e teoria. In quest’opera lo spettatore, seduto su una sedia da scuola all’estremità di un lungo tavolo di 5 metri leggermente inclinato e costruito prospetticamente proprio per enfatizzarne la distanza, è invitato a fissare un monitor di 5 pollici che mostra un’onda perfetta, inseguita dai surfisti per tutta la vita.

Gary Hill (1951, Santa Monica, CA). I suoi lavori sono stati presentati in musei e istituzioni di tutto il mondo,  alla Foundation Cartier pour l’art contemporain, Paris; San Francisco Museum of Modern Art; Centre Georges Pompidou, Paris; Guggenheim Museum SoHo, New York; Museum für Gegenwartskunst, Basel; Museu d’Art Contemporani, Barcelona; Kunstmuseum Wolfsburg e altre ancora. I progetti su commissione comprendono opere per il Science Museum di Londra e la Seattle Central Public Library di Seattle, Washington, ed una installazione e una performance rispettivamente al Colosseo e al Tempio di Venere a Roma. Hill ha inoltre ricevuto borse di studio dal National Endowment for the Arts e dalle Fondazioni Rockefeller e Guggenheim, oltre a numerosi premi ed onorificenze, come il Leone d’Oro per la Scultura alla Biennale di Venezia (1995), il John D. and Catherine T. MacArthur Foundation Fellowship Award (1998), il Kurt-Schwitters-Preis (2000), ed un dottorato ad honorem dall’Academy of Fine Arts di Poznan, in Polonia (2005) , e dal Cornish College of the Arts di Seattle, WA (2011).


Galleria Lia Rumma is pleased to announce Depth Charge, the third solo exhibition in Italy of works by Gary Hill, opening on Thursday, 26 February 2015.

After the exhibitions of 1996 in Naples and of 1999 in the former premises in Via Solferino in Milan, the Californian artist is back with two recent works: Klein Bottle and Pacifier, and four historic creations: Depth Charge, Isolation Tank, Learning Curve and Sine Wave.
Known for his use of video “as the form of expression closest to thought”, Gary Hill (Santa Monica, California, 1951) focuses his artistic research on the relationship between verbal codes and electronic and digital images.
In his work, he investigates the processes of perception, the diversity of spoken, written and gestural languages, and the dynamics brought into play by combining visual elements and electronically generated sounds.
Since the mid-1970s he has been creating complex and often spectacular videos and video installations, which involve the viewer on a personal, active level.
The six works around which Hill has constructed his third solo exhibition at Lia Rumma’s clearly reveal his meticulous artistic research and the variety of processes it involves.
In Depth Charge (2009-2012), the work that gives the exhibition its title, Gary Hill combines two previous works, for the screening is actually a reference to Varèse 360, in which the composition –Un Grand Sommeil Noir (1906) by Edgard Varèse – is interpreted by the musician/composer Bill Frisell on the electric guitar, while five monitors on the ground play The Psychedelic Gedankenexperiment, in which the artist investigates the psychic alterations brought about by lysergic acid diethylamide, or LSD.
The very presence of the artist and his voice, which is often a part of his works, creates a state of quiescence, inviting the viewer to watch and to listen to the work with great care. This can also be seen in Sine Wave (2011) and Isolation Tank (2010-2011), in which an entirely computer-generated video with synthesised sound creates a work of huge impact.
Learning Curve (1993), on the other hand, is a tribute to surfing and to the cognitive relationship between theory and practice. In this work, the viewer is seated on a school chair at the end of a slightly tilted five-metre-long table made in perspective in order to emphasise its length, and asked to focus on a 5-inch monitor that shows a perfect wave, followed endlessly by surfers.

Gary Hill (b. 1951, Santa Monica, CA) Exhibitions of his work have been presented at museums and institutions worldwide, including solo exhibitions at the Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris; San Francisco Museum of Modern Art; Centre Georges Pompidou, Paris; Guggenheim Museum SoHo, New York; Museum für Gegenwartskunst, Basel; Museu d’Art Contemporani, Barcelona; and Kunstmuseum Wolfsburg, among others.  Commissioned projects include works for the Science Museum in London and the Seattle Central Public Library in Seattle, Washington, and an installation and performance work for the Coliseum and Temple of Venus and Rome in Italy.  Hill has received fellowships from the National Endowment for the Arts and the Rockefeller and Guggenheim Foundations, and has been the recipient of numerous awards and honors, most notably the Leone d’Oro Prize for Sculpture at the Venice Biennale (1995), a John D. and Catherine T. MacArthur Foundation Fellowship Award (1998), the Kurt-Schwitters-Preis (2000), and honorary doctorates from The Academy of Fine Arts Poznan, Poland (2005) and Cornish College of the Arts, Seattle, WA (2011).