The 3rd edition of LUMINA Light Festival, took place in Cascais from 12 to 14 September 2014, showing 26 artworks coming from numerous countries scattered along the Light Walk, offering the public moments of discovery, magic and thrill. The program was varied and included details that reminds us the connection of the town with the sea and light.
The choice of renowned and internationally recognized artists in the field of the art of light, made the audience feel completely involved, outperforming the sole contemplative side that light brings.
Light shows, luminous sculptures and installations that interacted with visitors, multimedia projections and video mapping on buildings and on the most emblematic places of the village, payed tribute to the local heritage and offered a different visit to Cascais, proposed by Nuno Maya and Carole Purnelle, creators and artistic directors of LUMINA Light Festival.
In 2015, from 11 to 13 September, LUMINA will be back in Cascais with an entire new and exciting program, for another Brilliant edition!
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Making of LUMINA 2014:
– See more at: http://www.lumina.pt/2014/en/lumina/#sthash.4FDkzYI6.dpuf
Il progetto di Teatro Potlach diretto da Pino di Buduo e che ha invaso letteralmente la cittadina di Rovereto per alcuni giorni (3-4-5 luglio) coinvolgendo gli abitanti e oltre trenta associazioniin un fare multi-artistico assai partecipato, si chiama Città invisibili, bellissimo riferimento poetico all’omonimo romanzo di Italo Calvino del 1972 che racconta di una conversazione immaginaria tra Kublai Khan e Marco Polo sui resoconti delle città visitate durante i lunghi viaggi ai confini dell’Impero e che scopriamo essere niente altro che uno sguardo sognante sull’unica città amata: Venezia.
Rovereto come Venezia diventata per un giorno città invisibile, città nascosta, città della memoria e del piacere ha ospitato storie in forma di poesia, musica, danza e colori proiettati, incastrate negli anfratti della vita quotidiana, dentro corti inaspettate e giardini chiusi, sulle facciate di palazzi antichi, popolari o nobiliari che testimoniano la dominazione veneziana e quella austriaca. Gli interventi voluti da Teatro Potlach con l’ausilio tecnologico-creativo dell’OPENLAB di Luca Ruzza e del suo gruppo di giovani tecno creativi (Vincenzo Sansone, Gioele Stella, Francesco Bruno Viteri, Luca Cristiano) hanno amplificato la città storica evidenziandone in forma di luce e proiezione video, i segni architettonici. Lo staff numeroso ha reso possibile una grande quantità di eventi variegati, interventi artistici che ridefiniscono luoghi e spazi urbani senza privarli della loro specifica misura, della loro identità e soprattutto della comunità che la vive la quale si è unita per l’occasione per fare musica, cantare, ballare. Installazioni sonore e proiezioni su tappeti e su edifici diventano spettacoli di son e lumière, apparati effimeri, macchine di divertimento, attrazioni meccanizzate che ricordano le fantasmagorie e i parchi di divertimento d’inizio secolo.
Rovereto nel 1411 passa sotto il dominio della Repubblica di Venezia, poi diventa parte dei possedimenti dell’Imperatore d’Austria e conosce il suo massimo splendore nel 1700, grazie all’attività legata alla seta e all’introduzione della coltivazione del gelso. Allo sviluppo economico è legato quello artistico ed intellettuale rappresentato da figure quali Tartarotti, Vannetti, Rosmini, Gasparantonio Baroni. Economia e cultura. artigianato e filosofia segnano il percorso studiato nei minimi dettagli, con una cura antropologica da Pino Di Buduo con la sua struttura teatrale (con NATHALIE MENTHA, DANIELA REGNOLI, MATTEO ANTONUCCI, IRENE ROSSI, ZSOFIA GULYAS, SIMONA VITALE, PAOLO SUMMARIA, SARA ALLEVI, ALESSANDRO CONTE, MARCUS ACAUAN, GIOVANNI DI LONARDO) che diventa per l’occasione una compagnia di comici dell’arte, di artisti di strada, di abili affabulatori ciascuno portatore di “storie” per il visitatore occasionale e inconsapevole, recuperando l’idea del divertimento popolare volto principalmente a provocare stupore e meraviglia. Un’operazione che ha un’evidente forza simbolica comunicativa mirata a creare un dialogo tra viaggiatori e abitanti e a tracciare mappe di percorsi sensibili privi di GPS.
Così partendo dal sagrato della cattedrale, Pino Di Buduo in veste di maestro di cerimonie, dà il via a questa insolita “rivitalizzazione” della città: un percorso in forma di miriadi di “narrazioni” che intrecciano videomapping di colonnati e facciate e cori alpini, unendo la tecnologia più spinta (l’animazione grafica 3D) con la tradizione perché come ricordava il compianto Paolo Rosa:
“La città ideale del nostro tempo non può prescindere dalla tecnica. Il dialogo con la tecnica diventa essenziale per non lasciare l’incanto delle nostre belle città alla sfera della nostalgia e del ricordo immobile. Il confronto tra tradizione e tecnologia diventa essenziale. Ci può aiutare a restituire una vitalità urbana proiettata nel futuro”.
E’ la prima edizione del Festival dopo la riforma ministeriale dello spettacolo, e quindi dopo la ridefinizione economica (anche) dei Festival teatrali. La Toscana come dice la canzone di Gloria Gaynor, sopravviverà. Ma si sente nell’aria persino qua a Castiglioncello, la difficoltà degli operatori e delle stesse compagnie ospiti ad andare avanti con la minaccia all’orizzonte del precipizio (che sia il numero di repliche imposte o la preziosa progettualità regionale scavalcata oggi dagli obblighi ministeriali dei Teatri Nazionali o altro). L’atmosfera surreale l’ha ben descritta nel suo dialoghetto craigghiano, Massimiliano Civica; quindi anche il miglior festival italiano per atmosfera, accoglienza, continuità e qualità di proposte, che è indiscutibilmente Inequilibrio, soffre il calo ponderale dei tagli e delle difficoltà generali delle compagnie che pur di lavorare, e nella speranza di essere visti da operatori, propongono o accettano cachet mai sufficienti.
Questa premessa serve solo per confermare e se vogliamo aumentare il valore del festival INEQUILIBRIO quanto a “resistenza culturale”: basta dare un’occhiata alla quantità di proposte nei due fine settimana lunghi (dal 24 giugno al 5 luglio) per capire che pur in epoca da vacche magrissime, la direzione bicefala di Fabio Masi e Angela Fumarola ha dato spazio comunque a molte compagnie, alcune delle quali sono state accolte in residenza a Castello Pasquini, consapevoli che in un Festival si aggirano molti potenziali “compratori” oltre che critici. Un’àncora di salvezza per giovani compagnie che non godono dei riflettori della “grande critica” e che hanno invece una dignità artistica da valorizzare.
A noi piace chiamarla “responsabilità morale” o scelta etica dei direttori (che hanno creato ponti e collaborazioni con altre strutture nazionali come Mondaino o regionali come Il Grattacielo di Livorno) che condividiamo e che ritroviamo tra le pieghe del Festival non solo negli spettacoli selezionati ma anche negli incontri (quelli de “Lo straniero” con Goffredo Fofi). La continuità, quella che segna un filo rosso con i suoi 18 anni di vita è rappresentata dalla presenza anche in forma di spettacoli in debutto, della compagnia Lombardi-Tiezzi (Inferno 900), Roberto Abbiati/Leonardo Capuano (Fame), Gaetano Ventriglia (Gabbiano nello spazio), Nerval (Attraversamenti), Fortebraccio teatro (Metamorfosi),Compagnia Claudio Morganti (I canti), Oscar De Summa (Stasera sono in vena). La novità è rappresentata da un fiume di proposte alcune in prima nazionale (Igor & Moreno; Quotidiana.com; Fosca; Helen Cerina, Compagnia OSM, AttoDue/Murmuris; TEatroPersona, Simona Bertozzi/Nexus; Sebastian Barbalan; Ente Teatro Cronaca, Compagnia Angelini-Serrani;, Fattorek; Maurizio Saiu; Mo Wan teatro; Vincenzo Manna; Irene Russolillo), che danno la dimensione di un brulicare di attività di danza e di teatro;
Spiccano sicuramente la compagnia MACELLERIA ETTORE da alcuni anni presente nei maggiori Festival e in residenza presso Rubiera e Mondaino, e per la danza CLAUDIA CATARZI che qua propone uno studio (SUL PUNTO) che ha debuttato a ROMAEUROPA sull’equilibrio tra conscio e incoscio tra veglia e sonno, immobilità e movimento, e QUI ORA, vincitore a Fabbrica Europa 2013. E’ stato selezionato per NID Platform 2014.
Macelleria Ettore ha presentato Senza trama e senza finale, un debutto di un lungo cammino di avvicinamento ai racconti di CECHOV lungo una dorsale di straneamento che riporta i personaggi cechoviani a “casi di coscienza”; un lavoro meritevole di attenzione per l’ottima indagine introspettiva (e relativa interpretazione) di quell’invisibile e di quel meccanismo di funzionamento della trama che nei racconti di Cechov sono i reticoli relazionali dei personaggi, scavando nelle faglie dell’ambiente che li circonda.
Con uno sguardo a Tomi Janezic che ha restituito un Cechov strepitoso a Fabbrica Europa un anno fa, Macelleria Ettore ha portato un lavoro molto apprezzato dal numeroso pubblico presente che ha applaudito a lungo la regista Carmen Giordano e tutti gli attori (Claudia De Candia, Stefano Pietro Detassis, Maura Pettomus, Angelo Romagnoli).
Per tutta la durata del Festival un trasognato e poetico intervento site specific di Robert Latini e della sua compagnia Fortebraccio dal titoloMetamorfosi ha accompagnato il pubblico in spazi non convenzionali, dal parco alla spiaggia ad aree all’aperto prospicienti il Castello. Latini è l’indiscusso attore del momento e ha offerto in questi passaggi brevi ma intensissimi, schegge di bellezza in forma di poesia e parola, di azione, di suono, di visione. A partire da Ovidio ma accompagnato dal nume tutelare, Carmelo Bene.
Il progetto ITALIA-KOSOVO Diffraction. In paradise artists can fly di Marangoni/Neziraj ha riportato alla luce la necessità di dare uno sguardo anche alla ricerca musicale contemporanea. Sonorità e parole destrutturate fino a diventare fonemi cantati e performati, riportano l’atmosfera contraddittoria del Kosovo e della sua rumorosa capitale, Prishtina. Un concerto teatrale di natura politica formato da soprano, fisarmonica, percussioni, viola e direttore d’orchestra (Dario Garegnani) che crea un richiamo diretto con il musicista che qua in Toscana ebbe la sua patria d’elezione, Luciano Berio.
Un’attenzione speciale del Festival per Maurizio Lupinelli che qua al Festival ha presentato sia il volume della sua lunga attività (La ferita a cura di Marco Menini) dall’esperienza successiva alle Albe rappresentata dall’incontro con la disabilità, sia lo spettacolo Attraversamenti in prima nazionale ispirato a Beckett.
t_essere_territorio riscoprire – rivedere – risentire 10 > 12 luglio
Biella – Lago del Mucrone (Oropa) – Parco della Burcina (Pollone)
Dal 10 al 12 luglio 2015, nell’ambito di MontagnaFEST, l’Associazione +vicino presenta t_essere_territorio. L’iniziativa è inserita nell’ampio cartellone del Festival Torino e le Alpi, che raccoglie i 12 progetti vincitori del bando culturale della Compagnia di San Paolo dedicato alla scoperta di una montagna “diversa”, nuova, creativa e dinamica.
Ricco progetto cross-mediale di riscoperta dell’ambiente naturale e delle tradizioni del biellese, t_essere_territorio mette insieme danza, arte contemporanea, video-arte, nuove tecnologie e immersione nella natura per una tre giorni di workshop e performance in due location davvero straordinarie in provincia di Biella: la riserva naturale del Parco della Burcina e il fiabesco Lago del Mucrone, a 1900 metri di altitudine nella conca di Oropa.
This year, the Annecy International Animation Film Festival has received over 2,600 films (short and feature films, TV and commissioned films and graduation films) from all over the world between November and March.
More than 200 films have been shortlisted to take part in the official selection.
Una spettacolare videomapping-opera sulla Grande Guerra e su Gorizia. Otto quadri per musica, video e voce recitante ideati a partire dai diari e dalle cronache di quei terribili anni che segnarono la fine di un’epoca.
Al fianco della Storia della Grande Guerra, A Heap of broken images vuole raccontare le storie delle persone comuni, che vissero la guerra da lontano nella quotidianità delle loro case. Gli estratti dei diari goriziani, i cui stati d’animo sono magicamente animati e illustrati da immagini tratte dai film e dalle correnti pittoriche delle avanguardie artistiche, ci restituiscono frammenti di questa guerra personale: è il conflitto di coloro che decisero di rimanere in città. Fanno da controcampo le immagini di repertorio: la guerra impersonale e brutale delle trincee, dapprima distante, progressivamente si avvicina fino a impadronirsi di Gorizia, lasciando dietro di sé solo un cumulo di immagini infrante.
ART DIRECTION E REGIA
KarmachinaMUSICHE DI
Teho Teardo
VOCE DI
Virginia Galli
IDEA E SOGGETTO
Paola Tarantelli, Alessandro Cattunar
SCENEGGIATURA
Giuliano Corti
Lara Aleotti
POST PRODUZIONE E COMPOSITING
Karmachina
Mauro Ciocia
Enzo Lo Re
Pier Paolo Ceccarini
LIGHT DESIGNER
Matteo Benvenuto
SUPPORTO TECNICO
Francesco Rossi
DOCUMENTI AUDIOVISIVI E FOTOGRAFICI
Home Movies- Archivio Nazionale del Film di Famiglia
Università degli studi di Udine – Corso di laurea DAMS – Laboratorio La Camera Ottica
Cineteca del Friuli
Fototeca dei Musei Provinciali di Gorizia
UNA PRODUZIONE
Associazione Quarantasettezeroquattro
In\Visible Cities – Urban Multimedia Festival
INVISIBILI PROVINCE #1 Presenta tra i migliori film del 2014 secondo Filmcritica ed Alias/il Manifesto I RESTI DI BISANZIO di Carlo Michele Schirinzi Torino_CINEMA CENTRALE_mercoledì 27 maggio, ore 19:30 / presenza dell’autore
I resti di Bisanzio non è un ritratto del Salento, tanto meno della Puglia, non vuole essere una strizzata d’occhio al sud d’Italia o del mondo, non si arruffiana alle questioni meridionali e non spalleggia i rinnovati interessi mediterraneocentrici: è solo una radiografia intima di quella zolla geografica chiamata Capo di Leuca, tanto intima da risultare privata, pornografica, tanto da escludere paradossalmente la visione pubblica – se l’occhio è quello bendato dal gusto esotico –, da eludere gli astanti che non nutrono dubbi ed hanno gambe forti e ben salde, impettiti e non disposti a farsi trascinare giù, sempre più giù nel fondo più profondo degli abissi carnali che ardono sotto le nostre stesse ceneri.
Follow your shadow and apply with your works in the genres of video dance, documentary, performance, installations, animation and 1minute video dance here: http://bit.ly/1tOwEm9
spot: vimeo.com/120149641
Festival description:
InShadow – International Festival of Video, Performance and Technologies is an initiative of Vo’Arte, in co-production with São Luiz Teatro Municipal in Lisbon, which has already established itself as a reference in contemporary artistic creation and programming, with emphasis on the convergence of language between body and image, based on technology.
InShadow explores interdisciplinary atmospheres through aesthetic solutions and technical representation of body on screen, on stage and in other platforms. Genres and language intersect in video, performance, installations and exhibitions that present the vitality of a dialogue between established artists and emerging creators.
The program includes an international competition of videodance and documentaries, performances, a section aimed at children and youth, workshops and masterclasses, as well as exhibitions and installations, that expand the Festival by the city.
Let’s talk about freedom 1: How to Defend the Media Freedom?
Panelists:Elke Schmitter (GER), Hubert Spiegel (GER), Ralph Hammerthaler (GER) Moderator: Alida Bremer (GER)
Translation into English will be provided.
17:00 – 18:30
Let’s talk about freedom 2: Freedom and repression in the Balkan states: Creating cultural and political alternatives as a platform for joint future
Let’s talk about freedom 3: Freedom, literature, censorship: What are weallowed to write, here and now? How the market, past, politics and religion influnce the literary production in the region
Moderator: Arian Leka (ALB)
Translation into English will be provided.
17:00–18:30
Let’s talk about freedom 4: Let’s talk about ‘sex/gender’ baby!
Panelists:Miroslava Malešević (SRB), Ervina Halili (RKS), Fjolla Hoxha (RKS), Stanislava Chrobáková Repar (SI) Moderator:Eli Krasniqi (RKS)
Translation into English will be provided.
20:00 – 00:00
Readings
Fjolla Hoxha (RKS), Miroslava Malešević (SRB), Balsor Hoxha (RKS), Ralph Hammerthaller (GER), Vasko Raičević (MN), Vesa Qena (RKS), Arian Leka (ALB), Moderators: Eli Krasniqi (RKS) & Arian Leka (ALB)
Live music: tbc
Panels & Debates
Saturday, 23. 05. 2015
11:00 – 13:00 Let’s talk about freedom 1: How to Defend the Media Freedom?
According to HYPERLINK “http://en.wikipedia.org/wiki/Reporters_Without_Borders”Reporters Without Borders, more than a third of the world’s people live in countries where there is no press freedom. How are media freedom and freedom of speech defined? What are their main principles? What is the journalistic ethics? Are there self-censorship or unintentional errors of prejudice and ignorance in the best European media and how to deal with it as a conscientious journalist? Are there other repressions beyond the political, for example those of the market? What is the relationship of the German media to politicians and other powerful people in their country? Do the media make influence upon social processes? These and similar questions Alida Bremer as moderator will interview the three guests from Germany, all of which have great experience in journalism and working for major German newspapers: Elke Schmitter (Der Spiegel), Hubert Spiegel (FAZ) and Ralph Hammerthaler (freelance writer of various newspapers ).
17:00 – 18:30 Let’s talk about freedom 2: Freedom and repression in the Balkan states: Creating cultural and political alternatives as a platform for joint future
We live in the times when all kind of rights and freedoms are violated – human, intellectual, creative and media ones. On the other hand, we can observe the rise of neo-liberal democracies in Europe taking the form of democracy, but suspending at the same time the fundamental rights and freedoms that used to be garanteed before. Those countries are recognised and supported because they seemengly fit into the ″acceptable″ ideology and current state of affairs. Such developments can be observed in the Balkans too, in the states formed after the break up of Yugoslavia. In which ways do these political developments affect the cultural sector and politics in general in these countries? In which ways are various forms of democratic developments turning against those who strive to preserve the basic rights and freedoms? What is lurking behind the idea of ″free market″ in these new states, where is the repression beginning to take place and how can one become aware of it? Are literature, theatre and the arts governed by the free market principles and what is the future of alternatives in the cultural sector? Has the concept of reconciliation in the region from year 2000 and onwards affected the cultural exchange in the Balkans and in which way?
Sunday, 24.05.2015
15:00–17:00 Let’s talk about freedom 3: Freedom, literature, censorship: What are we allowed to write, here and now? How the market, past, politics and religion influnce the literary production in the region
Each literary scene has its own tested and proved mechanisms, which are used to manage production and representation of cultural products, as well as the whole infrastructure of performing, publishing and presenting of literary awards. Touching upon the issue of censorship, only a rare EU official will confirm that censorship really exists. In the Balkans, the critical articles about those in power and about how the domain of public disourse is controlled can only be found in media outlets of the opposition. Generally, all forms of political or cultural subversive activity are declared illegal, destructive, against the state and even terroristic. Which place do literature and the arts occupy in these circumstances then? Is the domain of cultural activity restricted and by which forces exactly? What are we not allowed to write and talk about, and where do the signals that tell us that a topic is unwelcome or a taboo come from? Is satire under attack and is it just the religion which happens to be intolerant towards different forms of parody and artistic exposure of many issues, including social and cultural stereotypes?
17:00–18:30 Let’s talk about freedom 4: Let’s talk about ‘sex/gender’ baby!
There is a general perception that after the fall of socialism, societies in Western Balkans, or concretely in former Yugoslavia, have been re-traditionalized. In this line, if we accept this, one has to discuss also literature, and the impact (if any) of feminism, especially the aspect of language. Do women still remain objects of desire in literature rather then subjects? What is the language that women writer, or men writers use? Can literature be gender emancipatory? Does today’s literature still reinforce gender stereotypes? Do we need to de-romanticize literature so we could break down the clichés of metaphorical language about women? How can we break free from essentalization and moralization of women’s lives, women’s bodies, women’s voice in literature? Are there attempts from philologists or literature researchers to dig deeper about women writers? Some of them not even put to the surface. Is there a space within Universities for such researches? These are some of the questions that this panel will discuss by bringing examples of literature developments from countries in the region.
All activities happening in Qendra Multimedia
polip – International Literature Festival 5th Edition
22-24 May 2015
Organized by Qendra Multimedia, Prishtina
in cooperation with RK LINKS / Beton International, Belgrade
Visualia Festival will take place in Pula from 07. – 09.05.2015. It is organized by association Sonitus and Tourism Office Pula together in collaboration with the Archaeological Museum of Istria.
Visualia 2015 will be presented to its visitors in Pula at various locations in the city center, it will bring new light installations, interactive performances, exhibitions and 3D video mapping, and it will use its new concept to completely change the visual identity of the city, which both domestic and foreign visitors will be able to enjoy three days during the festival. In addition to this new concept of the festival (which is made according to models of high-budget world-class festivals with multimillion number of visitors) the novelty lies in local production, at great pride of the organizers: primarily there will be presented domestic “inventions” as the the result of creative minds from Pula and its surroundings, which will be enhanced with guest artists from Finland, Austria and Slovenia.
On the last day of the festival, in collaboration with the Archaeological Museum of Istria, in the Roman Amphitheater (Arena), there will be a photo and video shooting of the Largest human torchlight image consisting of festivals visitors wearing luminous rings of different colors. With this event, the current Guinness World Record (which currently stands at 3,777 participants) will hopefully get broken!
Therefore, organizers invite all visitors to gather in large numbers in the Arena last day of the Festival, 9th of May 2015 at 08:00 p.m!
The organizers invite all visitors to reserve their time from May 7th – May 9th and to relax and enjoy the new urban attire. Entrance to all festival events is free for all visitors and everybody is welcome!
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Sav program odvijat će se od 07. – 09.05. (osim Foruma i Arene) u sljedećim terminima i na sljedećim lokacijama / The entire program (except for events on Forum and in Arena) will run from May 7th – May 9th on following locations in following time schedule:
1. Službeno otvorenje festivala / Official opening of the festival
20:30-21:00h, Narodni trg-tržnica / Market
2. Narodni trg (tržnica); 21:00-00:00h
«Light Market»
interaktivna svjetlosna instalacija/interactive light installation
*by Marko Bolković/Dario Družeta/Emil Koller/Marko Jovanović – Visualia Group
3. Flanatička ulica (21:00-00:00h)
«Light Sculptures»
svjetlosna instalacija/light installation
*by Marko Bolković/Igor Vasiljev – Visualia Group
«Clouds»
instalacija/installation
*workshop by Tilen Sepić (Slovenija)
5. Giardini (21:00-00:00h)
«Visualia Tree»
interaktivna svjetlosna instalacija/interactive light installation
*by Manuel Ćulibrk/Mia Petrić/Linda Markušić/Saša Idrizov/Marko Bolković – Visualia Group
6. Danteov trg (21:00-00:00h)
«Wishing Well»
interaktivna svjetlosna instalacija/interactive light installation
*by Igor Vaisljev/Marko Bolković/Mia Petrić/Linda Markušić/Saša Idrizov – Visualia Group
7. Forum (21:30-21:45h)
07.05.2015. «Mappingtoon» video mapping by Undertoon
08.05.2015. «Multiverse» 3D video mapping by Nenad Kraljić (Vacuum Studio)
8. Kandlerova ulica (Zvonik Katedrale uznesenja blažene djevice Marije)
22:00-22:15h
«Raumfahrtagentur: To the stars» video mapping
*by Daniel Horvat/Iva Milaković – Visualia Group
10. Valerijin park (Park ispod Arene)
21:00-00:00h
«Nordic Wave»
svjetlosna predstava i instalacija/light performance and installation
*by Kari Kola (Finska)
11. Carinski gat (22:30-22:45h)
«Lighting Giants»
svjetlosna predstava/light show
*by Skira
12. Arena, 09.05.2015. od 20:00-22:00h (u slučaju kiše/in case of inclement weather: 10.05.2015.)
«Light Postcard»
obaranje svjetskog rekorda: Fotografija najvećeg ljudskog svjetlosnog znaka/Largest human torchlight Image-breaking the Guinness World Record
*by Arheološki muzej Istre & Visualia Group
13. Dom hrvatskih branitelja (svake večeri do 02:00h)
FESTIVALSKI KLUB/Festival club
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The sixteenth edition of LPM Live Performers Meeting begins on May 28th, 2015 in the spaces of Nuovo Cinema Aquila and Sapienza University in Rome.
LPM offers the unique opportunity to experience 4 days of audiovisual performances, VJing, workshops, panel discussion, product showcases presented by hundreds of VJs, audiovisual artists, new media professionals and thinkers from around the world.
Indeed this community of artists made the LPM2014 Eindhoven edition a surprising event. We hosted more than 300 artists,220 performances, workshops and showcases, recording an overall amount of 39 participant countries.
Thanks to the contribution of the European Community, the LPM project foresees many foreign editions as in Minsk (2011),Mexico City (2013) and Cape Town (2013) in addition to those held Rome (2011-2012-2013).
Again, this XVI edition seeks to promote the practice of live video performance, thanks to a rich and unpredictable program aimed at exploring different themes through new audiovisual languages, techniques and technologies.
The daily schedule of the event:
15:00 to 21:00 Workshops
15:00 to 16:00 Lectures and conferences
16:00 to 18:00 Presentations of projects and products
18:00 to 04:00 AV Performances and VJ / DJ sets
Vj, artists, designers, professionals and the general public will be involved in the manifold planned activities: from experimentalaudiovisual performances, architectural mapping shows, and DJVJ sets to workshops, roundtables, and presentations of products and hardware, with a special regard for Free and Open Source projects. Meeting areas devoted to the interactionamong the hundreds of participants will be the corollary for the whole duration of the event.
To attend the meeting, participants must register by following the procedures in the “participate” section of the website, by choosing from several subscription options. To give the opportunity to host as much performances as we can receive, the maximum duration of each show is 30 minutes. Registration is open until April 21, 2015.
Through our 11 years of experience, we were able to draw a conceptual map of the trends that have most influenced the creation of live video performances, and the program of this edition reflects and investigates these trends:
Live Cinema: works performed exclusively live, capable of demonstrating a narrative and experimental approach; projects in continual tension between perceptive experience and performative act.
Video Mapping: a technique of video-projection that can animate architectural volumes. The effect is spectacular and exciting, it confuses and seduces our perceptions through the dialogue among images and tridimensional surfaces.
Digital Freedoms: activism and beauty, aesthetic database, data visualization of public or private data; these forms of artistic expression have been able over time to both inform and activate the consciences of people around the world.
Visual gender: thanks to the critical tension among gender studies, queer theory and contemporary art, the vision of the body, the sexual identity is disconnected from the stereotype of LGBT and video language becomes an instrument of emancipation of the genre.
Generative Visual: thanks to an encoding of the active and reactive world around us new digital biospheres offer to the public the experience of complex networks composed of simple sensory-bit binary codes.
Stereoscopic 3D: stereoscopic vision allows three-dimensional display of standard video content for a complete perceptive immersion. Ad hoc software and technologies are used to manipulate the visual perception of space to create “augmented” worlds.
LPM is designed as a place of dialogue, comparison and exchange of ideas and information between artists and fans in the field that are accustomed to meet, communicate and interact mostly in the virtual space of the network.
A real meeting place, a space that fulfills an important opportunity for dialogue and exchange, LPM encourages research, experimentation, the encounter between different forms of artistic expression, the interaction of multiple techniques and digital technologies, analog, software and hardware. LPM is an unmissable spectacle during which the audience has the chance to meet the world’s largest selection of artists active in the field of live video performances.
The Meeting aims to promote transnational movement and exchange of ideas, artworks and artists. All funds recovered by LPMare invested to support innovative research and experimentation in the field of live visuals with the latest technologies. LPM is part of AVNODE, whose objective is to improve and promote the veejaying culture worldwide.
Realized in collaboration with international partners and co-organizers, the project includes a series of previews and promotional events focused on live video to be held in France, Hungary, Greece, Austria and Italy, during the most important European festivals and cultural events.
LPM is produced and organized by Flyer Communication, Linux Club, FLxER.net.
Audiovisual art, digital culture and music
15+16 May 2015 — A Lab & Radion, Amsterdam
The place for artists, performers and visitors to experience cutting-edge audiovisual art, design, electronic music and code, at the forefront of contemporary digital culture.
We enter a generated cityscape run by computer systems, transverse a digital landscape and are pulled through it by subsonic, renegade sounds. Expect the often traceable and sometimes untraceable architecture of the digital. Luckily we’re guided by Microseq through this immersive environment as he performs his autonomous algorithmic systems. We’re honoured to present the official premiere as part of the AV & Music Programme.
Biography Microseq, or Pandelis Diamantides, has been active at the intersection of electronic art music, electroacoustic composition and pop music and reinvented the media of electronic music production and aesthetics during his activities. Even though he is speaking the language of “pop” culture, he uses cutting-edge techniques for music composition and performance to approach a broader audience for spreading an artistic message.
27-28 marzo 2015 Roma – sedi varie
Opening: 27 marzo ore 19.00
Circonvallazione Casilina (angolo via del Pigneto)
Nell’ambito delle attività culturali legate alla celebrazione dell’Anno Internazionale della Luce proclamato dall’UNESCO per il 2015, Luci Ombre presenta – per la prima volta a Roma – RGB Outdoor Light Festival, progetto di illuminazione artistica urbana nato dal desiderio di sperimentare una nuova sensibilità per la ricerca e la cultura della luce attraverso installazioni di artisti e designer concepite per lo spazio urbano.
Il 27 e il 28 marzo 2015 dalle ore 19.00 il festival RGB accoglierà nei quartieri storici di Roma le installazioni realizzate per l’occasione da un parterre internazionale di artisti visibili gratuitamente lungo le strade del Municipio V attraverso un percorso di circa 4 Km. Dall’isola pedonale del Pigneto, passando per Via della Marranella fino al Parco Sangalli, il festival condurrà il suo pubblico in una passeggiata luminosa alla scoperta di vie e vicoli poco conosciuti e frequentati dai grandi flussi; si creeranno nuove visioni e nuovi ambienti caratterizzati dall’accavallarsi di architetture urbane scandite dallo scorrere del tempo e dalle tracce luminose impresse dalle opere d’arte sul territorio.
Le opere site specific che orienteranno questo inedito tour saranno realizzate da: Artisti§Innocenti, Gruppo Giacenza, Giulivo Piacentino, Dielab, Daniele Davino e Daniele Spanò, Studio Aira, Miriam Abutori, Pasquale Mari (Teatro Stabile di Torino), Magombra, Gina Balla, Margine Operativo e Manuel De Carli, Simone Palma, Marco Amedani, Laurent Fort, Matteo Boscarato, Mastrangelo&Papageorgiou, La mia paura è bianca, Q2Visual, Andrea Leghissa, Leonardo Zaccone, Accademia di Belle Arti di Roma, Bauder/Bevilacqua, Gabriela Prochakza, Luca Ercoli, Lupercales BNC, Simone Palma, Stalker, Open Lab Company e dagli studenti dei corsi “Istituzioni di Regia Digitale” e “Video Mapping-Elaborazione Immagine Digitale” della Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università La Sapienza Roma curati dal Prof. Luca Ruzza.
Nei giorni precedenti l’apertura del Festival, il collettivo spagnolo Lupercales condurrà un laboratorio gratuito e aperto a tutti volto ad approfondire la pratica della progettazione illuminotecnica, coinvolgendo i partecipanti nella realizzazione dell’installazione luminosa concepita per l’ acquedotto Alessandrino di Parco Sangalli, mentre, il collettivo di artisti e architetti Stalker inviterà la cittadinanza ad intensificare la percezione dello spazio quotidiano urbano in cerca di fenomeni casuali nati da luce, riflessi e rifrazioni. La mappa dei fenomeni luminosi che emergerà durante il festival RGB, sarà un patrimonio comune a quanti raccoglieranno la sfida facendosi “cacciatori di fenomeni quotidiani della luce”, un’istigazione a percepire e immaginare la città con uno sguardo diverso.
Tutte le informazioni e gli aggiornamenti sul festival, gli artisti e la mappa completa del percorso luminoso sono disponibili sul sito:www.rgblightfest.com e sulla pagina facebook RGB Light Fest
Inoltre, è attualmente in corso – fino al 26 marzo – sulla piattaforma ‘Produzioni dal Basso’, una campagna di crowdfunding a sostegno del Festival RGB.
RGB Outdoor Light Festival gode del Patrocinio di UNESCO, Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Creatività, Promozione Artistica e Turismo Dipartimento Cultura, Zètema
In collaborazione con:
Sapienza, Università di Roma
Rufa – Rome University of Fine Arts
Accademia di Belle Arti di Roma
Teatro Stabile di Torino
Scheda informativa:
RGB – Outdoor Light Festival
organizzazione: Luci Ombre Srl
27-28 marzo 2015 | Roma – sedi varie
Opening: 27 marzo ore 19.00
Il punto di partenza del percorso è tra Circonvallazione Casilina e via del Pigneto (ponticello pedonale)
Orari: opere visibili dalle 19.00 alle ore 2.00 lungo tutto il percorso
Artisti partecipanti: Artisti§Innocenti, Gruppo Giacenza, Giulivo Piacentini, Dielab, Daniele Davino e Daniele Spanò, Studio Aira, Miriam Abutori, Pasquale Mari (Teatro Stabile di Torino), Magombra, Gina Balla, Margine Operativo e Manuel De Carli, Simone Palma, Marco Amedani, Laurent Fort, Matteo Boscarato, Mastrangelo&Papageorgiou, La mia paura è bianca, Q2Visual, Andrea Leghissa, Leonardo Zaccone, Accademia di Belle Arti di Roma, Bauder/Bevilacqua, Gabriela Prochakza, Luca Ercoli, Lupercales BNC, Simone Palma, Stalker, Open Lab Company e dagli studenti dei corsi “Istituzioni di Regia Digitale” e “Video Mapping – Elaborazione Immagine Digitale” della Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università La Sapienza Roma curati dal Prof. Luca Ruzza.
Digital technology is continuously speeding forward, bringing about radical changes in our society. At a local level, this has already spawned the notion of the smart city, in which everyone is connected with everyone and everything digitally. Still, what does all this technology really mean to us? The famous Catalan theatre companyLa Fura dels Baus will tackle these questions with a smart show. By using their app on your smartphone you can participate in the smart city 2.0. It’s an environment which looks like normal life – there’s an economy, transport, government, issues regarding citizenship and ecology – but it might demand you to play a very different role …
BACKGROUND INFORMATION
With M.U.R.S. the Catalan company La Fura dels Baus brings us a smartshow, a performance which asks the question: what will the city of the future look like? Can we engineer our societies? How much control do we as citizens have, how much do we give away to our leaders? The show puts the audience in the middle of an interactive theatrical installation which is the city of the future, the so-called smart city, which is dominated by technological gadgets and discoveries. Visitors can individually find their own way through this future world, using a specially devised app which (mis)leads them through it.
Our cities as we know them today are the result of the industrial revolution, but, influenced by the technological revolution and our information society, they will transform more and more into smart cities. While this development has already affected individuals, businesses and the economy, our cities cannot stay behind. The current paradigms of urban life have their days numbered, according to the members of La Fura dels Baus. The race for the intelligent city has begun.
In order to experience life in this digital democracy, La Fura dels Baus have devised a theatrical experience of such a smart city. M.U.R.S. lets its audience experience for a short time what it’s like to live in a prototypical world in which all of the premises of the smart city have been realised. The economy, the environment, governance, infrastructure: all aspects of this revolution are included and all of these spheres are digitally controlled. It will offer endless possibilities to the individual, but there’s also a flipside: one click buys you a pair of sneakers online, which have been manufactured by an exploited child on the other side of the world; and with one push of the button a world leader can erase a whole people from the map, as if it’s just a game. In the smart city every human can be the oppressor as well as the oppressed. Technology has separated man from his cultural values and alienated him from pain, which can have liberating as well as disastrous consequences. What these consequences are and what they might entail, is what the makers of La Fura dels Baus are showing the audience in M.U.R.S.
The performance takes place in four different zones, all of which represent one aspect of our future city. Visitors can use an app on their smartphone (for Android as well as iPhone) to move through these locations by themselves. However, they’re not completely free, as, of course, they’re being skilfully manipulated by the show and the app.
The app allows visitors to participate in the performance by sending them messages and giving instructions, showing them extra information and guiding them in a certain direction. The visitors are encouraged to take part in various activities, which for each zone are concluded with an historic speech by a famous leader from the past. There is Adolf Hitler addressing the young people in the Wellness Zone, where the body cult takes centre stage and youth and stamina are promoted through a Zumba lesson. In the Ecological Zone José Maria Aznar gives a speech on environmental issues; in the nationalist El Dorado Zone Joseph Stalin takes to the stage; and in the Security Zone where safety, comfort and connectivity are promoted (the ‘good people’ zone) we can hear the speech that George W. Bush gave just after 9/11. The visitors are gradually being forced into a ever tighter framework, until the revolution breaks out and everyone is free to go again.
After years of developing and researching projects on their own, the members of La Fura dels Baus got back together again to create M.U.R.S. They created the show as a team, developing the technologies video projections and digital technologies together. To create the installation, they worked with academic research centres such as the Massachusetts Institute of Technology (MIT) and the Ars Electronica Futurelab in Linz, in Austria, as well as receiving support from the University of Barcelona’s Open Systems department, the University Rovira i Virgili as well as TigreLab and Direcció de Creativitat i Innovació de l’ICUB (Barcelona LAB).
BIOGRAPHY
La Fura dels Baus was formed in 1979 in Barcelona. From the very beginning they built a reputation for their original use of the spaces they performed in and for blurring the barrier between audience and performers. A London reviewer commented in 1985 that they ‘create a kind of adult adventure playground of fun, danger, slapstick and fantasy’. Since the early nineties, the company has diversified from open air performances into the realms of written drama, digital theatre, street theatre, performance and opera. Combining the use of video, music, movement and all kinds of natural and industrial materials and new technologies, the company also attract many people who are not regular theatre visitors to their performances world-wide.
Their production L’home del mil.leni (2000), celebrating the new millennium, drew an audience of more than twenty thousand spectators in Barcelona; they performed their Divine Comedy in Florence in front of more than 35 thousand people. The company has produced a number of large-scale events, including the opening ceremony of the Olympic Games in Barcelona in 1992, as well as commercial and promotional shows for corporate clients such as Pepsi, Mercedes Benz, Microsoft and Warner Bros. In 2011, La Fura dels Baus attracted controversy for performing at the 35th birthday of the Chechen dictator Ramzan Kadyrov.
The company make frequent use of new technologies, for example in their online show Work in Progress 97, in which they put on simultaneous performances in different cities in a digital environment. However, the company have also produced performances based on traditional stage plays, for instance F@ust 3.0, in which they explored Goethe’s classic; Ombra, which re-interpreted the writings of the author Federico García Lorca; and Euripides’ The Trojan Women, which they set to music by Vangelis. In 2005, they premiered their original take on Kafka’s Metamorphoses in Japan.
Since the mid 1990’s, the members of La Fura dels Baus have also performed in several operas, including De Falla’s Atlàntida in Granada (1996), Debussy’s Le martyre de Saint Sébastien (1997), Berlioz’ La damnation de Faust in Salzburg (1999) en José Luis Turina’s D.Q., Don Quijote en Barcelona (2000). For Auf den Marmor-Klippen in Mannheim (2002) they used videoconferencing as a stage element in an opera for the first time ever. That same year, they staged Symphonie fantastique, based on Berlioz’ symphony. In 2003 they staged Mozart’s Magic Flute at the Ruhrtriennale in Bochum, and reprised it in 2005 at the Opéra de la Bastille in Paris and the Teatro Real in Madrid. They returned to Paris in 2007, performing Bartók’s Bluebeard’s Castle as well as Janáček’s song cycle The Diary of One Who Disappeared. Later that year, they staged Juan José Falcón Sanabria’s new opera La hija del cielo, which they reprised in 2010 at the Teatro Real in Madrid.
In recent years, the members of the company have often been working individually on their own projects. Alex Ollé for instance, staged the opera Quartett at the Teatro alla Scala in Milan, with music and libretto by Luca Francesconi. This opera was also the opening performance at the Holland Festival in 2013. In collaboration with another member of Fura, Carlus Padrissa, Ollé created a widely acclaimed version of Aida for the opening of the Arena di Verona Festival in 2013. However, the members of La Fura have now joined forces again for their latest project M.U.R.S.
Performing sold-out 3D concerts around the world, boasting over two and a half million Facebook friends and singing an incredible repertoire of more than 100,000 user-released songs, Hatsune Miku is possibly Japan’s greatest pop star. Now artist Keiichiro Shibuya features Hatsune Miku in his creation The End, the first Vocaloid opera – an opera without an orchestra or human vocalist, constructed from multi-screen 3D images and electronic sound. The only performers who appear are Hatsune Miku, an animal character (virtual as well), and – the only living human – Keiichiro Shibuya, a musician constantly pushing the frontiers of music. Miku begins her journey by asking herself: ‘will I die?’ For, in spite of the special Louis Vuitton designed outfits, she is not a real human being, but originates from voice synthesizer software by Japanese company Crypton Future Media. Travelling through a virtual world, accompanied by Shibuya’s score of minimal techno and EDM, modern and contemporary classical music and sound art, Miku goes in search of the paradox of her own existence.
BACKGROUND INFORMATION
With over two and a half million Facebook friends and an incredible repertoire of more than 100,000 songs, Hatsune Miku is Japan’s biggest pop star. Her concerts are huge events, with fans lighting up sold-out stadiums as they wave about their ‘magic’ wands. With her heart-shaped face, dominated by large eyes and framed by long turquoise hair down to her hips, you might think Hatsune Miku looks quite unreal. And you might be right, because Hatsune Miku has no beating heart. She is a virtual singer, and her voice is produced by singing voice synthesizer software developed by Crypton Future Media INC for YAHAMA’s Vocaloid synthesizer. Still, that hasn’t prevented Miku from taking the world by storm and now starring in the very first Vocaloid opera in history: The End.
Hatsune Miku’s voice is produced using samples of a voice artist. By adding lyrics and melody into the synthesising programme, users can generate a vocal performance. To set her apart from the competition, i.e. other voices, Crypton decided to give Miku not only a voice but also an image. Created by manga artist Kei Garō, who has portrayed her as a 16-year old girl with big eyes and turquoise pigtails, this turned out to be a brilliant move. Hatsune Miku, whose name means ‘first sound of the future’, came to this world in 2007, the third in a series of ‘Vocal Characters’ developed by Crypton. After the release, Hatsune evolved into a phenomenon of a highly participatory internet culture with thousands of people creating and sharing Miku-related contents around the globe. At present, with more than 1,000,000 derivative artworks and 100,000 user-released songs, Hatsune Miku is not only the icon of this ever expanding creative community, but she is also successful in performing sold-out 3D concerts worldwide, appearing in TV commercials, and being featured in various artists’ works.
Miku’s whispered, breathy way of singing and her artificial tone colour might lack warmth and expression compared to a real singer, but in spite of that she rose to become the biggest pop phenomenon in Japan almost instantly. Although, people have also claimed it’s actually because of her artificiality that she is so popular, linking her success with other examples of Japan’s penchant for the unreal. Whatever the reasons may be, the fact remains that Hatsune Miku is hugely successful. Supported by four very human virtuoso musicians, she brings the house down in concert after concert.
Hatsune Miku’s runaway success gave Keiichiro Shibuya, composer and frontman of the electronica collective Atak, the idea to write an opera for the Vocaloid star: The End. The award-winning playwright Toshiki Okada (who featured at the Holland Festival in 2011, directing his three-part play Hot Pepper, Air Conditioner, and the Farewell Speech), was hired to write the libretto; illustrator YKBX (pen name of Masaki Yokobe) created the animations.
Aiming to transform opera with the goal of a radically new space/time creation that is neither traditional nor avant-garde, The End is the first Vocaloid opera project ever, an opera without an orchestra or a single human vocalist, constructed from multi-screen 3D images and computer-controlled electronic sound. The only performers who appear on stage are Hatsune Miku, a cuddly rabbit-like creature called Animal, and Keiichiro Shibuya.
The set and the three characters are three-dimensional projections, the electronic music is controlled by Shibuya, who sits on stage behind his keyboard. The action is set in a virtual world.
Playing on the notions of mortality and being human, The End explores the paradox between what’s real and what’s unreal. The floating set combines manga-like forms with angular, geometrical shapes. Dominated by abstract computer animations, the show also features a giant lilac-coloured heart, suspended from fluorescent barrels. A massive coffin-like chest, suggesting death and burial, is the only permanent element to the set.
Composer Keiichiro Shibuya, a musician known for pushing the frontiers of music across pop, electronic sounds, experimental music and sound installations, has delivered a mix of J-pop ( the most popular music genre in Japan, rooted in traditional Japanese music fused with Western pop music), techno, trance and progressive club electro with some influences of minimal music. The music, tonal with some unusual modulations in places, is, apart from Miku’s singing, dominated by heavy synths. Especially for this opera, Miku is dressed by Louis Vuitton’s artistic director Marc Jacobs and his team. The virtual costumes are all original designs, tailor-made for Hatsune Miku’s body-type and personality. The digitised images reveal both a fully contemporary and completely new Miku, as part of this unprecedented special collaboration.
Unlike traditional opera, The End lacks a detailed plot and is more focused on a flow of moods and metaphysical speculation. Asking herself the question whether she will die like us humans, Hatsune Miku embarks on a quest searching for the secret to her identity. When she is visited by the spectre of a woman with a mysterious odour, she learns of a a secret which gets her thinking. The secret remains shrouded in mystery, but the morning that the woman came, Miku realises later, was the morning the ‘reason for her existence’ was born.
Miku is also visited by a sweet-looking, cuddly rabbit-like creature called Animal. He seems to be guarding her, anxious for her not to leave. As Miku does not need to breathe, she can talk faster than humanly possible (as exemplified in her final aria), but if nobody feeds her any lines, she is speechless. This is the very paradox which constitutes her tragedy. In a sense, she exists, she talks and sings, but the question is: ‘Who or what is she’?
BIOGRAPHIES
Composer and interpreter of electronic and acoustic music Keiichiro Shibuya (1973) studied at the National University of Fine Arts and Music in Tokyo. In 2002, he formed ATAK, a music label and artists’ collective combining music, fashion and design. Shibuya writes music for film and TV, as well as creating various sound installations, including a 3D installation called Filmachine, which was featured at a number of festivals. Following this project, Shibuya released ATAK010, a CD with three-dimensional sound, which can only be listened to with headphones. In 2009, he embarked on an international concert tour, called ATAK NIGHT4, together with Ryoji Ikeda, Yasunao Tone and others. That same year his first album for solo piano was released, ATAK015 for maria. In 2012 Shibuya organised a homage to John Cage, on the occasion of the centenary of his birth, as well as launching a new single, Sacrifice, with Rina Ohta. Shibuya has participated in many projects using huge sound installations. In collaboration with the writer and philosopher Azuma Hiroki he launched Initiation Shibuya Keiichiro + Azuma Hiroki feat. Hatsune Miku. The End, which he wrote in 2012, is his first opera and the world’s first opera with completely synthesised vocals using the Vocaloid computer programme.
Toshiki Okada (1973) is a Japanese writer and director. In 1997 Okada formed the theatrical company chelfitsch – the name is a child-like play on the English word ‘selfish’ and a fitting denominator for the company’s commentary on contemporary Japanese society. Okada’s plays are characterised by their strong expressiveness, humour and rich, physical visual language. In his plays, Okada takes the way in which young Japanese people speak and think to its extreme – using hyperrealistic colloquial language in fragmented semi-monologues along with strange body movements which often seem divorced from the actors’ words and thoughts – up to the point where all communication breaks down. Okada is seen as the director who gave Japan’s post-bubble lost generation a voice. Okada’s work has received numerous honours and awards. Five Days in March won the prestigious Kishida drama award in 2005. Air-Conditioner/Cooler was a finalist at the 2005 Toyota Choreography Awards. For his two part novel The end of the special time we were allowed, Okada received the 2008 Kenzaburō Ōe Prize. For his oeuvre, he received the Yokohama Cultural Award/Yokohama Award for Art and Cultural Encouragement. As well as directing his own plays, he has also directed Samuel Beckett’s Cascando, Kōbō Abe’s Friends and Dea Loher’s Tätowierung. Having toured Europe for the first time in 2008, Okada made his debut at the Holland Festival in 2011 with Hot Pepper, Air Conditioner, and the Farewell Speech. In 2012 he created his first English language production, Zero Cost House.
Hatsune Miku is a virtual Japanese pop idol enjoying unprecedented popularity in Japan. Which is all the more remarkable as Miku is not a singer of flesh and blood, but a computer programme, singing synthesiser software paired with the drawn image of a singer who comes to life as an animated 3D projection at her concerts. Miku’s voice is generated using samples of the Japanese voice actress Saki Fujita, which the makers of Crypton Future media subsequently programmed into Yahama’s Vocaloid 2 synthesizer programme. Users of the application can create their own songs – with the voice of Miku – by adding their own lyrics and melodies. The name Hatsune Miku means ‘first sound of the future’.
Miku’s image was created by the Japanese illustrator KEI. Inspired by Crypton’s description of Miku as ‘an android diva from the near future’, he created a Manga-like character with long turquoise pigtails and a blue and grey outfit – the colour scheme was based on Yahama’s synthesisers. When Hatusune Miku for Vocaloid 2 hit the market in Japan in 2007, it was an instant success. Subsequently the package for Miku was extended with software to give Miku’s voice various different moods. The fan community developed the animation software to make her dance. Thanks to video upload sites such as Niconico, Hatsune’s repertoire has grown exponentially, now counting more than 100,000 songs, many with an accompanying video.
Miku’s first live concert was in 2009 at the Animelo Summer Live Festival. Her concerts in Japan are hugely popular events, with crowds of fans in sold out stadiums waving their magic light wands to her music. Miku’s first foreign concert – Mikunopolis – was in 2011 in Los Angeles. In late 2013 her first pop opera, The End, premiered in Paris.
“La nuova videoarte italiana: linee di ricerca intermediale nel mondo del software”
selezione dall’archivio del C.A.R.M.A.–Centro d’Arti e Ricerche Multimediali Applicate
a cura di Veronica D’Auria dal 25 febbraio al 1 marzo 2015
Centrale Montemartini, Roma
All’interno del Media Art Festival di Roma C.A.R.M.A. – Centro d’Arti e Ricerche Multimediali Applicate presenta, nella suggestiva location della Centrale Montemartini, “La nuova videoarte italiana: linee di ricerca intermediale nel mondo del software” a cura di Veronica D’Auria.
La selezione, avvenuta tra le opere provenienti dall’archivio del C.A.R.M.A., mostra uno sguardo sulla recente e sfaccettata produzione degli audiovisivi di ricerca in Italia. I lavori presentati, nella loro varietà linguistica, sono accomunati da un uso critico e sperimentale degli strumenti software attualmente disponibili tale da porre in evidenza le capacità di veicolazione di senso insite nei processi di alterazione di frammenti di reale registrato in video e/o di costruzione “fantastica” grazie alle varie possibilità di comporre audiovisioni di “pura” sintesi.
Le opere proposte sono la concretizzazione di ricerche che hanno cercato di interpretare in modi “originali” le nuove possibilità di produzione sorte in seno alla democratizzazione ed il contestuale potenziamento delle tecnologie digitali, quei percorsi che possano dirsi oggi sperimentali (in quanto legate a strumenti nuovi e ancora in piena fase di “scoperta”, soprattutto per quanto concerne gli usi meno standardizzati).
Come sostiene uno dei maggiori protagonisti di questo nuovo e vitale contesto artistico (Lino Strangis: artista intermediale, teorico e direttore di C.A.R.M.A.): «che una nuova serie di circostanze tecniche consegua, quantomeno nel lavoro artistico, la ricerca di “nuove” proposte linguistiche, originali visualizzazioni, inedite esperienze è di importanza fondamentale per lo sviluppo delle stesse facoltà umane ed è inoltre fondamentale che all’uso industriale di detti strumenti si “contrapponga” sempre un approccio più critico, sperimentale, non standardizzato… Questo solo gli artisti possono fare e ce n’è oggi un assoluto bisogno!» La selezione che si propone intende essere quindi una ricognizione tra gli esempi più interessanti di quanto «in questi anni anche gli italiani abbiano partecipato alla costruzione di questo nuovo immaginario», usando, ognuno in modo diverso, gli attuali software di produzione e post produzione audiovisiva. Si è cercato di tener conto esclusivamente di quegli artisti la cui ricerca abbia effettivamente trovato nelle speciali capacità di questi strumenti qualcosa di vitale.
Ci auguriamo che questa antologica possa essere una piccola “dimostrazione” del fatto che, se anche tra mille difficoltà, nel nostro paese c’è chi sta effettivamente contribuendo allo sviluppo di alcuni dei più interessanti campi di ricerca attualmente presenti sul panorama internazionale.
Il Festival presenterà l’esposizione dal titolo “From body to mind. New generation of italian media artists” costituita oltre che dalle opere provenienti dall’archivio di C.A.R.M.A., dai lavori intermediali di 11 artisti italiani (Laboratorio Aye Aye, Alessio Chierico, IOCOSE, Giacomo Lion, Giovanni Mezzedimi, Max Serradifalco, Daniele Spanò, Lino Strangis, Danilo Torre, Dehors/Audela, Simone Pappalardo).
Molte saranno le attività in programma durante la cinque giornate in cui si succederanno workshop, laboratori, tavole rotonde, presentazioni, masterclass e performance nelle tre location coinvolte: la Centrale Montemartini, l’Università Roma Tre e la Palestra dell’Innovazione.
La manifestazione “Media Art Festival. Percorsi tra arte e tecnologie per una creatività solidale”, promossa dalla Fondazione Mondo Digiltale, per la direzione artistica di Valentino Catricalà si basa su una struttura organizzativa di prestigio internazionale presieduta da Tullio De Mauro (comitato scientifico: Stephen Benians, Sean Cubitt, Marco Maria Gazzano, Michele Gerace, Oliver Grau, Sandra Lischi, Enrico Menduni, Alfonso Molina, Stephen Partridge,
Fabio Severino, Gaby Wijers).
Artisti selezione C.A.R.M.A.: Alessandro Amaducci, Alessandro Bavari, Piero Chiariello, Valeria Del Vacchio, Elisabetta Di Sopra, Francesca Fini, Maria Korporal, Igor Imhoff, Salvatore Insana, Eleonora Manca, Pinina Podestà, Arash Radpour, Mauro Rescigno, Lino Strangis.
Come sarà il mondo nel 2025? Se lo chiedono gli artisti invitati a partecipare a 2025 – Future Environment Human che, attraverso progetti di arti visive, musica, cinema, teatro e architettura, rappresenteranno la loro idea di futuro, raccontando un mondo chiamato ad evolversi nel segno della sostenibilità e di un nuovo rapporto tra uomo e natura. Partendo, però, da un’analisi critica dell’esistente per cui si prospetta un inarrestabile declino del pianeta terra, dovuto principalmente all’inquinamento industriale.
Arti visive, live performance, workshop e dj set : dal 12 al 15 febbraio la rassegna “2025 – Future Environment Human” parla di un futuro da costruire insieme.
La location è quella dell’ex Cartiera Latina, magnifico esempio di archeologia industriale, le cui prime testimonianze risalgono al 1061. Nel 1912 divenne uno dei più grandi stabilimenti per la produzione della carta, che smise di funzionare nella metà degli anni Ottanta e, dalla fine degli anni 90 stata è divenuta polo culturale, immersa nel Parco dell’Appia Antica di Roma.
Il progetto, ideato da Seven O’Clock – Associazione culturale attiva nell’ambito delle arti contemporanee – in coproduzione con Dead Poets Society vede la collaborazione con Dugong Film e lo studio di architettura Startt e gode del patrocinio di Roma Capitale.
Sotto la direzione artistica di Sofia Francesca Miccichè e Giorgia Noto – entrambe giovani romane, da sempre impegnate nella produzione e nell’allestimento di spazi dedicati alle nuove forme d’arte – si alterneranno una mostra con dodici opere di altrettanti artisti provenienti da Italia, Francia e Spagna, tre live performanceaudiovisive, uno spettacolo di danza interattivaed una performance teatrale.
Grande spazio avrà l’interazione con il pubblico, coinvolto nella definizione del futuro che saremo chiamati a vivere. E oggi, a costruire: previsti un gioco collettivo e due talk su architettura e paesaggio, coordinati dallo studio di progettazione Startt.
Scambio ed interazione anche per le opere esposte. Tra queste, Cuprum II (2015) di Daniela Di Maro che racconta il processo di “fotosintesi artificiale”: tre pannelli solari convogliano i raggi luminosi verso altrettanti circuiti, tutti diversi, i quali filtrano la luce e la trasformano in sonorità, di diverse modulazioni.
La musica della natura è protagonista anche nell’opera di Stéphane Kozik che presenta per la prima volta in Italia Chlorophyllian Beats (2010): un insieme di piante su cui cadono irregolarmente gocce d’acqua sulle foglie. Piccoli microfoni captano ed elaborano il suono di ogni goccia, dando origine a una composizione musicale. Ludo, street artist parigino coinvolgerà parte dei muri esterni dell’Ex-Cartiera con un lavoro ideato appositamente per la rassegna.
Spazio alla musica con le live performance di danza interattiva di Franz Rosati,Giuseppe “Mutech” Guariniello e Rocco Cavalera, CKB = Calembour + K-sine + Breaking Wood,e uno spettacolo di danza interattiva di Martìn Romeo, artista e direttore del Toolkit Festival di Venezia. E poi i dj set di Palm Wine, Phantom Love, Georgia Lee (Amigdala) e Kick Milady(Female Cut).
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PROGRAMMA:
GIOVEDI 12 FEBBRAIO
h. 18.00 – INAUGURAZIONE
h. 19.00 – spettacolo di danza interattiva “The Method” – ideazione: Martin Romeo; danzatrice: Cristine Sonia Baraga; musica: Stefano d’Alessio.
h. 20.00 – live performance “Fileds of Immanence” – Franz Rosati
h. 21:30 – PALM WINE DJ Set
VENERDI’ 13 FEBBRAIO
h 11.00 Apertura mostra al pubblico
h 15.00 TERRA USATA\1 Talk a cura dello studio d’architettura Startt
h 17:30 “Quadrature” spettacolo di musica e danza a cura della Compagnia Tetraedro
h 21.30 Ind: Field Test IV – Conjunction – live performance con Giuseppe “Mutech” Guariniello e Rocco Cavalera
h 23.00 live set di PHANTOM LOVE
h 00.00 dj set – Georgia Lee (Amigdala)
h 1.30 Dj set – dj Kick Milady (Female Cut)
h 3.00 Chiusura
SABATO 14 FEBBRAIO
h 11.00 Apertura mostra
h 15.00 TERRA USATA\2 Talk a cura dello studio d’architettura Startt
h 17.30 Cinema Mobile – rassegna di video realizzati con smartphone e mobile device a cura di Dugong Production:
This is the way – Regia di Giacomo Abbruzzese (Francia) – 27’
Noah – Regia di Patrick Cedeberg e Walter Woodman (Canada) – 17’
VedoZero – Regia di Andrea Caccia (Italia) – 35’
A seguire il workshop “Nuovi modelli di produzioni audiovisive” a cura di Marco Alessi e Andrea Caccia
h 21.00 C+K+B – performance interattiva di Calembour (Laura Migliano e Giorgia Petri); a/v performance di K-sine (Roberto Memoli e Luca Moroni); sound performance di Breaking Wood (Alessandro Altarocca e Cristiano Petrucci)
h 23.00 – 3.00: special guest and special crew
DOMENICA 15 FEBBRAIO
h 11.00 Apertura mostra
h 12.30 Bio-brunch
h 15 up@giotto – gioco collettivo nello spazio pubblico Ideato da Alessandro Ceresoli e il collettivo A12
Gli appuntamenti per la quinta e ultima settimana del festival: da giovedì a sabato danza con Daniele Albanese e compagnia catalana Vero Cendoya, musica con Eduard Altaba, Adele Madau, Monica Serra, Lu-Po, Psalm’n’Locker, Gianluca Becuzzi, Z’EV, Marco Lampis.
Giovedì in anteprima nazionale lo spettacolo di danza di Michela Lucenti
Da giovedì a sabato il Palazzo di Città di Cagliari ospiterà gli ultimi appuntamenti per Da Dove Sto Chiamando, il festival di performing art, musica, danza e video organizzato da SpazioDanza e TiConZero.
Giovedì 27 novembre dalle 21,15 in scena Michela Lucenti e la compagnia Balletto Civile che presenteranno a Cagliari in anteprima nazionale la nuova produzione “Ruggito”.
A seguire il duo XL-XS (Eduard Altaba al contrabbasso e Adele Madau al violino elettrico) in “Experimental Standars”, progetto musicale con una lettura ironica e contemporanea di una serie di “standard” musicali popolari. Alle 22.30 la performance Oralità pastorale [N.2]” di Monica Serra, frutto di un lavoro di ricerca sonora sul linguaggio dei pastori con gli animali in Sardegna, in chiusura di serata Lu-Po(Gianluca Porcu), autore di musiche per teatro e televisione e sperimentatore elettroacustico.
Venerdì 28 novembre ancora alle 21,15 musica con il progetto di elettronica sperimentale Psalm’n’Locker, a seguire lo spettacolo della compagnia di danza catalanaVero Cendoya “Fils”, teatro-danza, musica e poesia sul tema della pazzia accompagnato dalle musiche originali della violinista Adele Madau. In chiusura il musicista toscano Gianluca Becuzzi presenterà un live set elettroacustico basato su strumenti autocostruiti, percussioni ed oggetti sonori.
Sabato 29 novembre, ultimo giorno del festival, si apre con “Cinecussion”, spettacolo del compositore e performer americano Z’EV: è un progetto audio-video che trasforma energie sonore in proiezioni video basato sulla cimatica, il fenomeno delle forme create dalle onde sonore generate dalla vibrazione di una superficie. Alle 22 danza conDaniele Albanese e il suo lavoro “In a Landscape”, spettacolo nato per scenari urbani ma da qualche anno proposto anche in teatro e in spazi chiusi. Al termine della serata, il musicista cagliaritano Marco Lampiscon “Ucronia, selezioni musicali incredibili e straordinarie”.
Per gli ultimi tre giorni del festival sarà ancora attiva la convenzione “Vieni al Festival in bus” realizzata in collaborazione con il CTM Cagliari: biglietto ridotto per chi raggiungerà il Palazzo di Città con il bus n.7 messo eccezionalmente a disposizione negli orari notturni. Biglietto ridotto anche per studenti e possessori di Carta Giovani.
Il festival è stato anticipato da un’anteprima di tre giorni a ottobre mentre il cuore degli appuntamenti è stato accolto al Palazzo di Città, in piazza Palazzo a Cagliari. Ospiti di questa seconda edizione di Da Dove Sto Chiamando” i musicisti Laurent Bigot, La Générale d’Experimentation, Terminale_3, Olivier di Placido, Sec_, Filippo Mereu e Roberto Follesa, Raoul Moretti con Leonarda Catta, i danzatori e performer Sara Marasso, Francesca Foscarini, Yasmeen Godder, Leonarda Catta, Gyohei Zaitsu. E’ stato presentato anche lo spettacolo inedito “Vero o Falso” a cura di SpazioDanza e TiConZero. Visitabili per tutta la durata del festival le due installazioni audiovisive “Steps to decay, i luoghi dell’abbandono”, collettiva a cura di Alessandro Olla e Giacomo Pisano, e “One Voices” di Lea Tania Lo Cicero a cura di SpazioMusica.
Il festival “Da dove sto chiamando” è organizzato dalle associazioni Spazio Danza e TiConzero con la direzione artistica di Momi Falchi, Tore Muroni e Alessandro Olla. Quest’anno il festival ha allargato la sua rete di collaborazioni e intersezioni con altre associazioni attente ai linguaggi dell’arte contemporanea: Carovana SMI e il suo progetto “Approdi” , l’associazione Spaziomusica con “Winter Project 2014″, le associazioni Ita Ti Nanta e Venticinquegradi, il gruppo MovieMentu, il collettivo Cinetokore. In programma anche interventi formativi con il Liceo Classico Siotto Pintor e il Conservatorio di Musica P. Da Palestrina, indispensabili per avvicinare le nuove generazioni ai linguaggi della contemporaneità.
Llega a Barcelona la cuarta edición del MIRA, Live Visual Arts Festival y como cada año el Festival contará con más de 50 actividades repartidas entre el centro Fabra i Coats, el centro Arts Santa Mònica y la Sala Razzmatazz.
El Festival acogerá 37 actuaciones, 7 artistas visuales, 7 instalaciones, 3 workshops bajo el nombre de Live Visual Arts Camp así como conferencias y actividades gratuitas.
Durante esta semana se celabrá el Live Visual Arts y durante el fin de semana se realizarán gran parte de las actividades programadas.
En la vertiente musical destacará la actuación del colectivo Fium con su show audiovisual Biolive. También se explorará el mapping 3D de la mano de Angle y su espectaculo Tetra 01 y Lucas Gutiérrez explorará la interacción entre la instrumentación en directo y el 3D.
Entre los artistas visuales que trabajarán en directo en el MIRA Festival, destaca el inglés Oliver Jennings donde presenta su particular visión entre naturaleza y tecnología o del artista visual catalán TVNO.
En el ámbito de las instalaciones, el diseñador italiano Nicola Gastaldi presentará The Cave, una instalación realizada con técnicas de mapping o los franceses Grégory Lasserre & Anaïs met den Ancxt presentarán Metamorphy, una instalación orgánica e interactiva.
En esta edición del MIRA se presentará por primera vez en toda Europa, Onmis, de Maotik, una instalación immersiva donde el espectador se sitúa en el centro de una pantalla circular de 25 metros en un formato de 360º y crea una experiencia de ilusiones ópticas y sonoras que cambian la perspectiva del tiempo y el espacio.
MIRA se trata de un escaparate para el panorama musical y visual menos convencional y comercial y que busca una interacción con el público así como mezclar tanto elementos musicales como visuales.
Fechas: Del 6 al 15 de Noviembre de 2014 Lugar: Centro Fabra i Coats, Sala Razzmatazz y Centre d’Arts Santa Mònica. BARCELONA
dal sito http://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/mira-live-visual-arts-festival-barcelona/
Cagliari.SpazioDanza e TiConZero presentano Da dove sto chiamando Festival di performing art, musica, danza, video (26 ottobre – 29 novembre 2014) presso Il Lazzaretto, Auditorium Comunale, Palazzo di Città.
Ritorna il festival cagliaritano dedicato a musica, arti performative, danza e video.
In calendario spettacoli, installazioni, laboratori con artisti in arrivo da tutto il mondo
Raccontare il contemporaneo attraverso la musica, la danza, le arti performative: in arrivo il festival “Da Dove Sto Chiamando” in programma a Cagliari tra 26 ottobre e 29 novembre nei tre spazi Il Lazzaretto, Auditorium Comunale, Palazzo di Città.
Da Dove Sto Chiamando 2014 è per il secondo anno la sintesi degli appuntamenti culturali “Autunno Danza” e “Signal Festival”, dedicati all’esplorazione dei linguaggi contemporanei. I due Festival, organizzati rispettivamente dalle associazioni Spazio Danza e TiConZero, hanno portato in città negli ultimi anni diversi protagonisti di rilievo nel panorama artistico internazionale. Per il secondo anno consecutivo “Autunno Danza” e “Signal” scelgono di far incontrare linguaggi ed espressività diverse all’interno dell’evento unico Da Dove Sto Chiamando, con l’obiettivo di lavorare in sinergia, andare oltre il pensiero rigido e stereotipato e cercare nuove etiche ed estetiche.
In programma un ricchissimo calendario di spettacoli, performance e laboratori impreziosito da installazioni audio-visive inedite.
La compagnia francese Beau Geste, gli italiani Virgilio Sieni, Simona Bertozzi, Daniele Albanese, Francesca Foscarini, Michela Lucenti, Sara Marasso, la compagnia catalana Vero Cendoya e il grande danzatore butoh Gyohei Zaitsu dal Giappone sono alcuni degli ospiti per la sezione danza, mentre la parte musicale del festival sarà rappresentata da Z’EV, Gianluca Becuzzi, La Generale d’Experimentation, Raoul Moretti, Adam Ansen, Olivier di Placido, Sec_ e altri. Inoltre sarà realizzata una coproduzione Spaziodanza Ticonzero site specific per il Palazzo di Città.
In programma anche laboratori dedicati a danza, creatività, musica e improvvisazione; nei giorni del festival sarà inoltre creata una cornice di installazioni audio-visive con artisti isolani e non solo.
In occasione del Festival, considerato che da settimane il quartiere storico di Castello è interessato da un progetto di pedonalizzazione con divieto parziale di transito e parcheggio, il CTM spa metterà eccezionalmente a disposizione la navetta n. 7 fino a mezzanotte nell’ambito di un accordo stipulato grazie alla collaborazione tra organizzatori, amministrazione comunale e comitato di quartiere.
Il festival “Da dove sto chiamando” è organizzato dalle associazioni Spazio Danza e TiConzero con la direzione artistica di Momi Falchi, Tore Muroni e Alessandro Olla. Quest’anno il festival ha allargato la sua rete di collaborazioni e intersezioni con altre associazioni attente ai linguaggi dell’arte contemporanea: Carovana SMI e il suo progetto “Approdi” , l’associazioneSpaziomusica con “Winter Project 2014”, la neonata associazione Venticinquegradi e il gruppoMovieMentu. In programma anche interventi formativi con il Liceo Classico Siotto Pintor e il Conservatorio di Musica P. Da Palestrina, indispensabili per avvicinare le nuove generazioni ai linguaggi della contemporaneità.
Tutti gli appuntamenti avranno inizio alle 21.15 ad eccezione di “Transports Exceptionnelles” di Beau Geste, al Lazzaretto di Cagliari il 26 ottobre con inizio alle 17.
Evento realizzato con il contributo del Ministero per i Beni e le Attività Culturali,
Regione Sardegna, Comune di Cagliari
e in collaborazione con i Musei Civici di Cagliari
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